映画ありのまま

（レビュー）
　正直なところエイミー・ワインハウスのことは名前くらいしか知らず、曲も数度聴いたくらいで、それほど詳しいわけではない。彼女が悲劇の死を遂げた時は、ニュースになったので覚えているが、その時も「そうだったのか…」と思った程度で特別に強い思い入れがあるわけではなかった。

　そんな自分がこの映画を観た時に、一番強く感じたのは、彼女は生き急いだ天才だった…という思いである。

　最も強く印象に残ったのは、セルビアで行われたコンサートのシーンだった。エイミーは酔っぱらってフラフラの状態でステージに立って1曲も歌うことなく会場から大ブーイングを浴びせられる。あの華々しい大活躍を見せたスターが、ここまでの醜態をファンの前に晒したことが衝撃的だった。

　本作では、エイミーがアルコールとドラッグに依存していたことが赤裸々に語られている。死の直接の原因もアルコールの過剰摂取ということで、こういっては元も子もないが、ミュージシャンには付き物の”お約束”のオンパレードである。得てしてスターというものは、富と名声と引き換えに大切なものを失い、孤独に陥り、酒とドラッグに溺れていく…というのがパターンである。その意味では、エイミーも正にそのパターンに当てはまる人生を送ったシンガーだったように思う。

　薬を断つために更生施設に入ったエイミーのスチール写真が出てくるのだが、あのふくよかな彼女が痩せこけて完全に風貌が変わっていたことに驚いた。まるで別人である。改めてドラッグの恐ろしさが実感される。

　ドキュメンタリーとしての作りは非常にオーソドックスである。彼女の家族や仕事の関係者のインタビュー、当時の記録映像で彼女の半生が淡々と振り返られている。

　一つ面白いと思ったのは、彼女の歌がバックに流れるのだが、それがドラマに密接にリンクしていたことである。エイミーは自分の経験を歌詞に乗せて歌うシンガー・ソングライターでもある、彼女が辿って来た人生と歌詞が微妙に重なるのだ。この演出がこの映画をかなりドラマチックなものにしている。

　そんな中、エイミーの元夫のお騒がせ男ブレイクと、彼女に”たかろう”と傍について回る父親の存在は、彼女の人生の中では大きな意味を持っていたように思う。おそらく彼らはエイミーの人生における”負”の部分と言えよう。もう少しマシな男と付き合っていれば、もう少し彼女のマネジメントが上手くいっていれば、また彼女の人生も変わっていたかもしれない。

（レビュー）
　潰れかけた劇場を再興しようと悪戦苦闘する動物たちの姿をヒットナンバーに乗せて描いたアニメーション作品。

　ポップスやロック、フォーク、カントリー、ジャズ、オペラ。様々な音楽がバックに流れる。どれも聴いたことがある有名な曲ばかりで、ある種大衆向け音楽映画として奇をてらうことなく作った所に好感を持てた。
　多種多様な動物たちが、夫々に声高らかに歌い上げる姿にも勇気を覚える。

　本作を製作したのは「怪盗グルー」シリーズを手掛けたイルミネーション・エンターテインメントというスタジオである。ディズニーでも動物たちの世界を描いた「ズートピア」（2016米）という作品があったが、奇しくも本作も同年に製作された作品である。
　「ズートピア」は風刺を含めたメッセージ性の強い作品だったが、こちらは思想性は皆無である。純粋にエンタメに傾倒した作りで、そこは物足りないと感じる人がいるかもしれない。しかし、紋切的ながら率直にドラマに重点を置いた作りは大変親しみやすく、個人的には最後まで楽しく観ることができた。

　物語は夫々のキャラクターに葛藤を持たせた群像劇になっている。

　内気なゾウのミーナは自分の殻を打ち破り、ヤマアラシのアッシュは元相棒を見返すようなパワフルなロックを響かせ、ゴリラのジョニーは父との情愛を浪花節的な展開に乗せて見事に歌い上げている。他にも大家族の主婦をしているブタのロジータ、サックスを吹きながら伊達男を気取るネズミのマイクといった多彩なキャラが場を賑わしている。クライマックスのコンサートではそれぞれに見せ場が用意されている。

　また、5人組のアライグマが出てきてムーンの前で売り込むのだが、こちらは日本人のアイドルグループを投影しているようだ。きゃりーぱみゅぱみゅの歌を歌っている。

　劇場の支配人コアラのムーンは、如何にも山師らしいずる賢さがあり、これも中々面白い。劇場が文字通り崩壊した後の彼の改心は本作の一つの見所と言えよう。

　ただ、流石にここまで上手く作られてしまうと、余りにもご都合主義という感じは拭えない。
　一番気になったのは、落ちぶれたムーンの元にみんなが一斉に戻ってくるクダリである。嘘の賞金額で自分たちを騙していた彼をそんなに簡単に許せるだろうか？あまりにも人が良すぎると思った。

　映像のクオリティは文句なし。動物たちの活き活きとしたダンスシーンは楽しいし、劇場が崩壊するシーンには破壊のカタルシスが感じられた。そして、何と言ってもクライマックスのコンサートシーンの盛り上がりである。音楽の力も相まって何倍にも迫力が感じられた。

　改めて音楽映画の”力”を実感させてくれるような作品である。

（レビュー）
　全世界で大ヒットを飛ばしたディズニーアニメ「アナと雪の女王」（2013米）の続編。

　お馴染みのキャラたちが歌あり、笑いあり、アクションありの冒険を繰り広げる内容で、前作同様、家族揃って楽しめる良作となっている。
　ほとんどケチをつけるところがない完ぺきな内容で、さすがはディズニーと感服した。

　ただし、1点だけどうしても気になる箇所があった。それはクライマックスのあるシーンである。あの時点でアナたちはアレンデールが無事とは知らなかったはずである。それなのに喜んでいるのはどうだろうか？客観的に見ておかしい。

　さて、前作はいわゆるこれまでの”お姫様物”のアンチテーゼという点が非常に革新的で、そこが作品最大のポイントだったように思う。もちろん「レット・イット・ゴー」というキラーチューンも心揺さぶる名曲で、ミュージカル映画としても優れた傑作になっていた。

　それに比べると本作は、テーマ、歌曲共に余り新味は感じられない。エンタメとしてそつなく作っていることは確かだが、前作のようなインパクトは感じられなかった。

　エルサが自分の魔法の秘密を探るというドラマ自体は悪くはない。前作を観た者であれば彼女の出自は誰もが気になるところであろう。そこをメインに据えたことで物語の流れは自然なものになっていた。ただし、前作の革新的なテーマに比べると、どこかありきたりな感じも受けた。

　しかも、その間にもう一人の主人公であるアナは何をしているかというと、エルサを守ることに奔走するだけで、彼女自身の葛藤や出自に対する疑問といったものが全く語られていない。彼女のエルサに対する姉妹愛はもはや盲目的とも言っていい。生きたキャラクターにするためには、アナの葛藤も描かれて然るべきであろう。本作はそこを完全にスルーしてしまっており非常に残念だった。

　他のキャラについても同様で、前作で自己犠牲という行動で究極的な愛を示したオラフもここでは安易なマスコット的な立場に収まっている。
　クリストフについては、かろうじてアナに対する恋愛感情をひたすら訴えることで、どうにかキャラクター的な存在意義を確保していたが、それにしたって前作からの流れから言えばたいして変化はない。

　楽曲は前半にかかる「イントゥ・ジ・アンノウン」が最もテンションを上げるし、これをキラーチューンとしているのだろう。エルサの葛藤を表したやや内省的な曲調と歌詞であり挑戦的とは思うが、「レット・イット・ゴー」のように気持ちよく乗れるかと言うと、そこまでのポップさはない。

　それよりも、個人的には中盤でクリストフが歌う曲が気に入った。80年代テイスト全開のMVパロディになっていて、こうしたお遊びは大変楽しい。逆に、これだけが他に比べて浮いているという気がするが、それだけユニークで斬新だったということだろう。

　出来ればこうした斬新さがドラマや曲にもっと欲しかったような気がする。
　前作が大ヒットしたこともあり、今回はその流れに乗って余り冒険的なことをできなかったのではないだろうか。何となく観終わった後にそんな気がしてしまった。

　一方で、映像に関しては相変わらず文句なしである。特に、今回は水の表現が多いのだが、大波のシーンや、水の精霊の表現は絶品だった。映像に対するこだわりが存分に感じられた。

　尚、今回も吹替え版で鑑賞した。オラフ役が変更になったのは残念だが、ほとんど気にならないどころか、まったく違和感なく自然に聞けた。他はすべて前作から変わりなく、歌も芝居も満足いくものだった。

（レビュー）
　冷戦下のヨーロッパを舞台に激しい恋に落ちた男女の運命をシャープなモノクロ像で綴ったメロドラマ。

　物語自体はそれほど新味がなく、90分足らずという短い尺のせいで、数十年に及ぶドラマが若干表層的に感じた。軽快なテンポで進むので飽きなく観れるが、ジックリと腰を据えて二人の絡みを見てみたかった気がする。

　しかし、美しいモノクロ映像は実に素晴らしく、これを観るだけでも映画館で鑑賞する価値はあろう。

　監督は前作「イーダ」（2013ポーランド）が世界的に高く評価されたパヴェウ・パブリコフスキ。「イーダ」も本作同様、スタンダードサイズの美しいモノクロ映像で綴られた映画だったが、このスタイルがパブリコフスキ監督の一つの特徴となっている。

　撮影監督も「イーダ」に引き続きウカシュ・ジャルが務めている。まるで昔のヨーロッパ映画を観ているかのような芳香さ、優美さを堪能することが出来た。

　尚、今回はパブリコフスキ自身が原案と脚本を担当している。映画の最後に両親に捧ぐというテロップが表示されることから分かる通り、本作のモデルは彼の両親ということだ。したがって、本作はある種パブリコフスキ監督のルーツをたどる映画と言えなくもない。そう言う意味では私的な映画であり、思い入れも相当強いものと思われる。

　そして、本作は東西冷戦下の元で引き裂かれたメロドラマであると同時に、当時のヨーロッパの社会の写し鏡になっている点も一つの見所となっている。

　A・ワイダ、J・カヴァレロヴィッチ等、ポーランド映画界には様々な巨匠が誕生したが、彼らが追い求めたテーマは、共産主義下における国の歴史とそれに呑み込まれた人間の悲しみと勇気だった。本作の中にもその流れは脈々と受け継がれている。かつての”ポーランド派”を継承するような作品と言えよう。

　キャストでは、ズーラを演じたヨアンナ・クリークが印象に残った。序盤の村娘という出で立ちから、後半の売れっ子歌手への成長、終盤の人生に疲弊しきった中年女性、様々な顔を見事に演じ分けている。また、彼女は舞踊団の歌手として欧州各地を巡ることになるのだが、その歌声も中々に素晴らしかった。

（レビュー）
　実在のバンド、フォー・シーズンズの成功と混迷の道程を描いた音楽伝記映画。

　ブロードウェイのミュージカルを元にしており、そちらはトニー賞を受賞するなど、かなり評価が高いミュージカル劇となっている（未見）。それを巨匠C・イーストウッドが撮った作品である。

　自分はフォー・シーズンズのことについては全くの無知で、劇中で流れる「シェリー」を聴いたことがあるくらいである。また、終盤に流れる「君の瞳に恋してる」も楽曲自体は耳にしていたが、実はそれはカバー曲の方だったというのを後で知った次第である。元々は彼らが歌っていたということを全然知らなかった。

　したがって、バンド結成や成功の過程、どうしてバンドが分裂してしまったのか。そうした経緯についてはまったくの予備知識がないため新鮮に観ることが出来た。

　それにしても、これをアメリカンドリームと言わずして何と言おう。芸能界では才能ある者は星の数ほどいる。しかし、世に出るかどうかは結局は巡り合わせ、人と人の縁であることを思い知らされる。地元マフィアのボスとの出会いであったり、多額の借金を背負ってレコーディングに踏み切った逸話がいい例である。全ては縁とタイミングなのだ。

　無論、実力がなければここまで成功することはなかっただろう。フランキーの美しいファルセットの歌声が必然だったことは疑いようのない事実である。本作を見ればそれはよく分かる。

　この美声を再現したのはジョン・ロイド・ヤング。初見の俳優であるが、彼は舞台版でもフランキーを演じていたということである。これが実に見事な歌唱で聴き惚れてしまった。ドラマに十分の説得力をもたらしている。

　イーストウッドの演出も円熟の極みを見せている。
　冒頭の強盗シーンの軽快さとスリリングさとユーモア。フランキーの歌声が地元マフィアのボス、ジップに涙させるスマートな演出。ラジオ局のDJがスタジオをジャックして名曲「シェリー」を延々とヘビーローテーションしながら大衆に広まっていく様。そして、フランキーが盟友トミーに三行半を突き付ける熱度の高い演出。
　齢80を超えて、この硬軟織り交ぜた自在な演出はアッパレと言うほかない。同年には「アメリカン・スナイパー」（2014米）も公開されており、正に演出家としての円熟期に入ったと言っても過言ではない。

　更に、今回は非常に目新しい演出も見られる。それはカメラに向かって俳優が語り掛けるという演出である。元の舞台劇がそうなのかもしれないが、この演出が展開の軽快さ、キャラクターの心情の明快さを上手くサポートしていると思った。こうした演出は賛否あるかもしれないが、少なくとも作品にユーモアを与えるという意味では奏功している。

　また、イーストウッド自体がジャズを愛する人間ということもあり、演奏シーンにも手抜かり感は無い。

　全編、そつなく作られた音楽映画で、フォー・シーズンズを知らない人、あるいは舞台版を知らない人でも十分楽しめる娯楽作になっていると思う。

　もっとも、同じイーストウッドが手掛けた音楽映画「バード」(1988米）のような野心性があるわけではないので、同じ音楽物でも見応えという点ではやや落ちる。
　ここ最近のイーストウッドの映画は肩の力を抜いた作品が多く、それはそれで楽しめるのだが、一時のような重厚さは鳴りを潜めている感じがする。