ブラジル発の硬派な社会派アクション作品。

エリート・スクワッド　ブラジル特殊部隊ＢＯＰＥ [DVD]

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「エリート・スクワッド ブラジル特殊部隊BOPE」（2010ブラジル）
ジャンルアクション・ジャンル社会派
（あらすじ）
　南米有数の犯罪都市リオ・デ・ジャネイロ。日夜マフィアの取り締まりに明け暮れる軍特殊警察BOPEの隊長ナシメントは、刑務所で暴動が起きたという知らせを受けて急行する。そこには人道支援家として有名なフラガも来ていた。実は二人は公私にわたって深い因縁関係にあった。しかし、今は協力し合う時と踏んで、ひとまず暴動の鎮圧に務めた。ところが、ナシメントの部下が命令を無視して発砲したため銃撃戦が始まってしまう。多くの死傷者が出てナシメントは責任を取って保安局に左遷させられる。しかし、彼はそこでもマフィア撲滅に執念を燃やしていく。

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（レビュー）
　マフィアの撲滅に執念を燃やす捜査官の戦いを強烈なバイオレンスで描いたアクション作品。尚、今作は「エリート・スクワッド」（2007ブラジル）の続編である。
　自分は前作は見ていないが、それでも今回の映画は面白く見れた。前作から引き継がれている諸々の設定はあるのだろうが、特に知らなくても単品として十分楽しめる。

　さて、リオ・デ・ジャネイロの治安の悪さと言えば世界的にも有名だが、個人的には2002年に製作され話題を呼んだ「シティ・オブ・ゴッド」（2002ブラジル）を見て衝撃を受けた口である。警察とマフィアが根深く癒着していたことに驚かされた。つい先日、サッカーのワールドカップが開催されたというのが信じられないくらいである。
　もっとも、政府はこの大会に合わせて大々的な改善を進め、「シティ・オブ・ゴッド」の公開時より随分治安は良くなったようである。しかし、ブラジルではもう一つの世界的な催し物が予定されている。それが2016年に開催される夏季オリンピックだ。現状はまだまだ治安が良いとは言えない状態であり、今後は更に街の浄化は進められていくのだろう。‥というかそう願いたい。

　今作の主人公ナシメントは、そんな警察とマフィアの蜜月を駆逐せんと、日夜戦う熱血捜査官である。しかし、敵は余りにも巨大であり、彼個人の力ではとても太刀打ちできない。彼は徐々に四面楚歌の状態に追い詰められ孤独な戦いを強いられていくようになる。カメラはそれをドキュメタリータッチで切り取っている。その姿は実にスリリングであり、尚且つヒロイック的な頼もしさも感じられた。また、激しいバイオレンス・シーンも”見世物”としては中々衝撃的であり、全体的にエンタメとしてよく出来ていると思った。

　更に、犯罪撲滅というプロパガンダ的なメッセージも十分伝わってきた。社会派作品として見ても水準以上の映画となっている。

　ただし、エンタメと言っても、本作は見終わった後に決して爽快感が得られるタイプの作品ではない。
　ナシメントがいくら犯罪組織を潰してもすぐに新しい組織が誕生し、結局、堂々巡りの状況が続く‥という終わり方になっている。したがって、万事解決という結末になっていないためカタルシスは薄い。

　もっとも、こうした結末には製作サイドの気概を感じた。絵空事のハッピーエンドにせず、リアリティを重視した結果であり、映画が伝えるメッセージはズシリと胸に響いてくる。

　こうしたモヤモヤとした鑑賞感が続く作品であるが、しかし唯一カタルシスを覚えるシーンもあって、個人的にはそこには感動を覚えた。それは終盤の公聴会のシーンである。それまで主張を異にしていたナシメントとフラガが、警察の腐敗をなくすために初めて共闘するのだ。
　元々、ナシメントはマフィアのような悪は武力で制圧すべしという考えの持ち主で、軍警察の精鋭部隊BOPEを率いて日夜戦ってきた男である。一方のフラガはナシメントと逆で、マフィアと対話することで問題解決しようという姿勢を持っている。言わば、この両者はタカ派とハト派、水と油の関係なのである。
　また、2人はプライベートでも因縁の関係にある。ナシメントの妻子は彼の元を離れてフラガと再婚した経緯がある。彼らの間に一体何があってそうなったのかは謎であるが、もしかしたらこのあたりの詳しい事情は、未見の前作で描かれているのかもしれない。いずれにせよ、ナシメントとフラガはプライベートでも憎しみ合っている。

　そんな対立関係にある二人だが、しかし目指す所は共通していて、最終的には政治の腐敗とマフィアの暗躍を無くすという社会浄化である。彼らのそんな思いがこの公聴会のシーンで結実する。この＜対立＞→＜融和＞のドラマには胸が熱くなった。

　人間ドラマという事に関して言えば、ナシメントと彼の息子の親子愛も中々に良かった。先述の通り、ナシメントは息子をフラガに奪われてしまったわけだが、それでも定期的に会うことが赦されている。息子はどちらかと言うとフラガ寄りのリベラル派で、ナシメントとはそりが合わない。二人のやり取りは終始ぎこちなく、そこにナシメントの父としての寂しさが表出する。こちらも終盤で”ある事件”が起こり目が離せない展開が用意されている。

　監督・共同脚本はジョゼ・パヂーリャ。彼のことを初めて知ったのは、バスジャック事件を追いかけたデビュー作「バス１７４」（2001ブラジル）というドキュメンタリー映画である。その時から臨場感にあふれた演出に並々ならぬ才気を感じたが、今回もそのタッチは健在である。スピーディーでスリリングなトーンが貫通されており、終始目が離せない作品に仕上げられている。卓越した演出力は今回の作品を見て改めて再認識させられた。
　尚、パヂーリャは今作が評価されハリウッドへ渡り「ロボコップ」(2014米）の監督に大抜擢された。記憶に新しい人も多いだろうが、残念ながらこの映画は興行的にも批評的にも今一つの結果となってしまった。未見なので何とも言えないが、パヂーリャの場合は既存のハリウッド式な作品作りは合わないような気がする。むしろ、オリジナルのシナリオで撮った方が上手くいくのではないだろうか。作家性の強い監督とは得てしてそういうものである。

B・アフレックの監督デビュー作。エンタメと社会派的メッセージを見事に両立させた傑作。

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「ゴーン・ベイビー・ゴーン」（2007米）
ジャンルサスペンス・ジャンル社会派
（あらすじ）
　ボストン郊外で4歳の少女アマンダが誘拐される。マスコミに報道され騒然とする中、母ヘリーンは犯人に娘を返してほしいと訴えた。それをテレビで見ていた地元の私立探偵パトリックの元に、アマンダの伯父夫婦がやって来る。今回の事件を警察だけに任せてられないと、彼らはアマンダ捜索を彼に依頼した。パトリックは相棒で恋人のアンジーと共に早速、捜索を開始する。事件を担当するレミー刑事と情報を交換しながら二人は犯人を探り出していくのだが‥。

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（レビュー）
　女児誘拐事件を捜査する私立探偵の姿を端正に綴った社会派ミステリー映画。

　原作はC・イーストウッド監督の傑作「ミスティック・リバー」（2003米）でも知られるデニス・ルヘイン。「ミスティック・リバー」もかなり衝撃的な内容のサスペンス映画だったが、今回も見終わった後にズシリと心に響いてくる重厚な作品である。

　監督・共同脚色はこれが初演出となる俳優のB・アフレック。鑑賞順は前後してしまったが、先に「アルゴ」（2012米）、「ザ・タウン」(2010米）を観ているので、彼の演出手腕については何も心配することはない。今回も実に堅実にまとめられていると思った。

　例えば、冒頭のオープニング・タイトル。ボストンの街並みをライブ感あふれる映像で綴ったシークエンス。一見何気ない風景が続くが、そこで生活する人々の姿が、これから起こる悲惨な事件にリアリティをもたらしている。物語の舞台へ入り込む上でも実にスムーズな導入部で、特に捻りは無いものの、この飾らなさがドラマのリアリティを下支えしている。ちなみに、今回の舞台であるボストンはB・アフレックの故郷だそうである。「ザ・タウン」もボストンが舞台だった。

　緊張感を作り出す演出も見事である。
　例えは、パトリックが地元のバーに聞き込みに行くシーン、彼が麻薬の元締めと取引するシーン。このあたりのピリピリするような緊張感は実に素晴らしい。

　一方で、さりげないユーモアも見られ、このあたりも如何にもアフレックらしい卓越した手腕が感じられる。
　例えば、へリーンの家の前でリポートしているキャスターの下半身がパンツ一丁だったのには笑ってしまった。主人公パトリックの日和見なキャラクター造形も、どこかユーモラスである。ただ、今作は基本的にシリアスな作品なので、コメディ・タッチはそれほど多くは無い。基本的にはシリアス路線で押しており、このあたりのさじ加減も絶妙だと思った。

　音楽も不穏で◎。後半で幾つか前面に出てくるが、基本的には静かにバックに流れるのみで、それが先述した緊張感にも上手く奏功していた。

　一方、物語は軽快且つ簡潔にまとめられている。事件の捜査の影に意外な黒幕を突き止め‥という展開は、この手の探偵物ではよくある常道だが、今の時代にこのクラシックなプロットを生真面目にやってしまった所がたまらない。二転三転するどんでん返しを含め、個人的には最後まで面白く追いかけることが出来た。

　難を言えば、終盤にかけて突っ込み所が出てくることだろうか‥。
　例えば、パトリックが第2の誘拐事件に関わっていく理由が今一つ分からない。彼の心理説明がシナリオ上、完全に省略されてしまっているからである。これは説得力に欠けると思った。
　また、事件の解決シーンにも引っかかる演出があった。パトリックは明らかに犯人を後ろから撃っている。これはまずいだろう。検視すれば一発でアウトである。
　あるいは、終盤のアンジーの心変わりにも説得力が感じられなかった。ここも丁寧な描写が欲しい。
　更に、アマンダ誘拐事件を引き起こした犯人の行動も、全てを見終わった後では白けてしまう。犯人は全てが上手くいくと思ったのだろうか？いつまでも隠し通すことなどできないと思うのだが、そこを鵜呑みにした所に、この犯人の未熟さが伺える。

　こうした疑問符、不満点は、単純に説明不足からくる物語上の”解れ”に他ならない。したがって、丹念に描写を積み重ねていけば解決できるはずだと思う。上映時間が無駄に長くなってしまうのは考え物だが、ドラマのリアリティを獲得するためなら、そこは臆せずに作り込んでほしい。たとえ長くなっても面白い映画はやはり面白いのだから‥。

　ラストは秀逸だと思った。正に本作のメッセージはここに集約されていると言っていいだろう。子を持つ親であれば心痛極まってしまうのではないだろうか。心にズシリと響いてきた。

　キャストでは、パトリックを演じたK・アフレックが中々に良かった。決して派手なパフォーマンスを披露するわけではないが、童顔の私立探偵という特殊性に面白味を感じた。ペットの捜索しかしたことがないと自分で言ってるくらいだから、探偵というよりほとんど便利屋に近い仕事をしているのだろう。その頼り無さげな所も含め、我々一般人に近い親近感を覚える。
　へリーンを演じたエイミー・ライアンは今作で一番の存在感を見せていた。彼女は最初から母親失格な愚かな女である。それどころか、最後まで全く懲りておらず、ある意味で誘拐犯よりも更にタチの悪い女と言えよう。このドラマにおいては完全にラスボス的な悪役となっている。そして、彼女のこの”凝りなさ”が、本ドラマのテーマを皮肉的に物語っているように思った。

刑事が殺人事件に取り込まれていく異色のロマンス・サスペンス。

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「ローラ殺人事件」(1944米）
ジャンルサスペンス・ジャンルロマンス
（あらすじ）
　有名な女性デザイナー、ローラ・ハントが、何者かに顔面を撃たれて殺される。事件を担当したマクファーソン刑事は、彼女と親交が深かったコラムニストのウォルドー、婚約者のカーペンター、二人から話を聞く。ローラを挟んで二人は対立する関係にあった。マクファーソンは痴情のもつれからローラが殺されたのではないか、と睨むのだが‥。

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（レビュー）
　ある殺人事件を捜査する刑事が、事件の被害者である女性に惹かれながら、意外な真相に辿り着いていくサスペンス作品。

　この作品はプロットが中々よく出来ていると思った。何と言っても、中盤の展開に驚かされた。ここでマクファーソンの捜査は大きな転換点を迎え、以後、彼の推理は事件の真相へ向かって急迫していく。ドラマの中盤で訪れる、この”どんでん返し”は作品全体を大いに引き締めており、最後まで面白く見ることが出来た。

　ただ、難を言えば前半の展開が凡庸という気がした。マクファーソンがローラ殺害の容疑者として、彼女と関係があった二人の男たち、ウォルドーとカーペンターを聴取するのだが、ここが平板である。いわゆる回想でローラとの出会いなどが説明されるのだが、これでは何だか味気ない。例えば、小道具などを使いながら生前の様子をさりげなく紹介すれば、もっとミステリアスで面白い前半部になっていただろう。ベラベラと言葉で喋らせてしまっては、サスペンスの面白味が損なわれてしまう。

　もっとも、そうは言っても、この映画は会話のテンポが良いので決して退屈するということはない。ウィットに富んだユーモアもあり、会話劇自体は中々よく考えられていると思った。

　今作の白眉は、先述したようにやはり中盤である。まさかの展開が登場する。コレは見ているこちらの事件に対する見解をガラリと変える衝撃的なものだった。
　加えて、この中盤のシーンでは、マクファーソンのローラに対する恋情も明確に示される。彼女の肖像画を眺めるシーンで、彼の恋心がはっきりと伝わってきた。これも秀逸な演出だと思った。

　更に、今作は小道具の使い方も中々上手い。
　例えば、先述した肖像画や、今回の事件のカギを握る柱時計、そしてラジオといった物が効果的にサスペンスを盛り上げている。特に、ラストの柱時計にはニヤリとさせられた。

　監督はO・プレミンジャー。このブログで以前取り上げた「野望の系列」(１９６１米）も彼の監督作である。主にサスペンスを得意とする作家だが、一つのジャンルに捉われることなく様々な佳作を撮り上げた名匠である。今回もマクファーソンの視座に徹しながら謎解きの面白さを十分に引き出しつつ、上手くロマンスドラマとして昇華している。軽快な演出捌きにも上手さを感じた。

　キャストでは若きV・プライスの登場が嬉しい。彼は今作ではローラ殺害の嫌疑をかけられる婚約者カーペンターを演じている。V・プライスと言えば、後にホラー映画界のタレントになっていくが、その彼がここでは爽やかな青年役を演じていて初々しい。

刑事と殺人犯の攻防をドキュメンタリータッチで描いたサスペンス映画の傑作。クライマックスに目が釘づけ。

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「殺人容疑者」（1952日）
ジャンルサスペンス
（あらすじ）
　渋谷で男の刺殺体が見つかる。警視庁捜査一課の中沢刑事、豊田刑事らが捜査にあたるが、事件を知る鍵とされていた飲み屋の女将が同じ手口で殺されてしまった。その店には貿易振興会の経理部長・山田が頻繁に出入りしていた。早速、彼の元を訪ねると、そこで木村商事という名前が浮上してくる。木村社長は裏で風俗営業を行っていた。きな臭い物を感じ取った中沢達は木村の身辺を調査していくのだが‥。

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（レビュー）
　刑事と連続殺人犯の息詰まる攻防をドキュメンタリータッチで描いたサスペンス作品。

　80分足らずという短い尺なので、事件のからくりは大したことがないのだが、要所の演出が全体を引き締め全体的にはかなり面白く見れる作品である。特に、クライマックスの刑事と犯人のスリリングな追跡劇が秀逸だった。モノクロ映えする薄暗い下水道という舞台。肌を突き刺すようなピリピリとした緊張感を演出するカメラワークが素晴らしい。正にノワールタッチここに極まれり‥である。

　監督はB級サスペンス映画の職人・鈴木英夫。個人的に彼の作品は結構好きで見ているのだが、サスペンスに秀でた演出は、日本映画史を語る上でもっと評価されて然るべきと思っている。

　例えば、先述のクライマックス・シーン。下水のこぼれる音をBGM代わりにしたアイディアは秀逸である。また、セリフを排して映像のモンタージュだけで刑事と犯人の心理的駆け引きを描き切ったセンスも素晴らしい。2人の刑事がアイコンタクトを交わす演出も非常にクールで痺れた。

　また、今作は戦後間もない頃の映画である。この当時でしか存在しなかったロケーションが各所に登場してきて、これも良い味を出していた。特に、前半は刑事たちの視点で描くセミドキュメンタリー・タッチが貫かれており、個々の刑事が訪れるロケーションが画面にリアリズムをもたらしている。

　更に、淡々としたナレーションは、当時のニュース映画のような口調になっていて、これも奇妙な面白さがあった。この連続殺人事件が、さも本当にあったように解説している。

　後半は一転して、追われる犯人側の視点に切り替わって物語が展開される。この大胆な視点の切り替えには驚かされたが、通俗的なドラマとかけ離れた面白味を感じる。そして、こちらもほぼ全編オールロケで撮影されており、中にはゲリラ撮影と思しきシーンも見つかる。
　例えば、街のど真ん中で逃走犯の一味が刑事に捕まり、そこにたくさんの野次馬が駆けつけて大騒ぎになるシーン。これなどはどう見ても作ろうとしても作れないリアルさがある。おそらくリハーサルもなしに街中でぶっつけ本番で撮影したのではないだろうか？昔の低予算のB級映画だったらありそうである。

　一方、脚本上、幾つか詰めの甘さが見られたのは残念だった。木村が部下のタレこみをみすみす見逃したのはどう考えてもおかしい。普通であれば、部下はその以前から様子が変だったのだから口封じしておくべきであろう。このあたりは突っ込みを入れたくなってしまった。
　また、これは演出的な問題であるが、後半のカーアクションが余り乗れなかった。編集が不自然なのが原因である。

　尚、本作は丹波哲郎の映画デビュー作でもある。彼は主犯格である木村を熱演している。冒頭のクレジットでは「丹波哲郎」と表記されているが、エンディングでは本名の「丹波正三郎」と表記されている。このあたりの”いい加減さ”も昔のB級映画ならでは‥である。微笑ましい。

戦時下におけるメロドラマだが中々衝撃的な内容。

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「清作の妻」（1965日）
ジャンルロマンス
（あらすじ）
　一家の生計を支えるため、お兼は呉服商の老主人の妾になった。ところが、老主人は大金を残し他界。お兼は家族の待つ村へ戻るが、村人たちから冷たい目で見られる。ある日、村に兵役を終えた清作が戻ってくる。模範青年として一生懸命働いた清作は、村人たちから絶大な信頼を得ていく。そんな中、お兼だけは彼に振り向かなかった。清作はそんなお兼に惹かれていく。

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（レビュー）
　悲劇的な運命を背負った女と模範青年の禁断の愛を硬質なタッチで描いたロマンス映画。

　周囲に反対されながら固い絆で結ばれていく男女の悲恋は、実にシンプルに展開される。ただ、物語の背景には戦争が存在する。これがこのメロドラマを骨太にしており、男女の恋情をファッションのよう軽視していない所が面白いと思った。
　更に、この映画は偏見と閉塞感に満ちた古き村社会の因習に対して痛烈な批判もしている。今作と大島渚監督の作品「飼育」(1961日）は、ある意味では共通したメッセージを放った作品のような気がする。両作品を比べてみると面白いかもしれない。

　映画序盤は、お兼が落ちぶれていく様をダイジェスト風に綴った展開で、正直今一つといった印象である。彼女が家計を支えるために泣く泣く豪商の妾になり、父が死に、それを追うようにして母も死に、親戚の知的障害の青年を引き取って、”汚れた女”として村八分にされる。こうした一連の経緯が足早に綴られている。確かにバックストーリーとしては十分にプレマイズされているが、その不遇に今一つ真実味が感じられない。

　ただ、物語はここからが本番である。村に模範青年の清作が戦争から帰ってくる。彼はお兼を可哀想に思って色々と面倒を見るのだが、周囲は当然それを面白く思わない。メロドラマとしては実にオーソドックスに作られているが、2人の蜜月が中々スリリングで面白く見れた。

　そして後半、日露戦争が開戦し清作は再び戦場へ旅立って行く。一人取り残されたお兼は、村人からの嫌がらせを受けながら清作の帰りを待ち続けるのだが、これが実に不憫極まりなかった。
　そして、清作が負傷して一時帰国すると、ここから更に物語は凄まじい展開に入っていく。愛のために、なりふり構わず狂気に走るお兼にゾッとさせられた。愛とは実に恐ろしいものである‥と実感させられ衝撃的である。

　監督は増村保造。氏らしいラジカルさは後半の展開に見られる。また、登場人物たち夫々を活き活きと演じさせた手腕も素晴らしく、特に知的障害の青年はお兼と清作の間に立つ絶妙な立ち位置で、彼の顛末も見応えがあった。

　また、清作が戦争から帰って来た時に買ってきた”鐘”の意味を考えてみると、このドラマは更に感慨深く見れる。
　この鐘は、最初は軍隊式の起床を促す道具として使われる。その次に、お兼が戦場へ行った清作を思い偲ぶ品となる。そして終盤、それが清作の手によって投げ捨てられる。清作によって村にもたらされた戦争の象徴たる”鐘”が、ラストで「反戦」メッセージを唱える象徴に変わるのだ。小道具の使い方はこうするんですよ‥という、正にお手本のような作りになっている。

　増村作品のミューズとも言える、お兼を演じた若尾文子の妖艶さも絶品だった。悲壮感を漂わせた演技が続くので、一本調子な感じを受けなくもないが、さすがにそこは増村＆若尾である。清作とのラブシーンにおける恍惚とした表情。そして、愛に捕われ正気を失っていく後半の凄まじい形相。このあたりのインパクトは絶大であった。

しみじみとくる人情ドラマ。

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「かあちゃん」(2001日）
ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　天保末期、天涯孤独な青年・勇吉が腹を空かせて江戸にやってくる。彼は、なけなしの金で最後の酒を飲むと、大金を貯めこんだ一家が長屋にいるという噂話を耳にする。その夜早速、彼はその家に忍び込んだ。ところが、そこで待っていたのは5人の子供たちを女手一つで育てている、おかつだった。彼女に見つかった勇吉はその場で諭される。そして、家にある金は長男の友人、源さんのために使う物だったことが分かる。おかつは反省する勇吉を見て根っからの悪人とは思えず、彼を家族の一員に迎え入れる。

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（レビュー）
　山本周五郎の原作を巨匠・市川崑監督が映画化した心温まる人情話。

　余りにも饒舌に展開されるため少々出来すぎな感が否めないが、そこはそれ。いわゆる情に厚い庶民の物語‥という風に受け止めれば決して悪くはない。

　実際、勇吉の身上を証明する書付けのエピソードにはしみじみとさせられた。何と言っても、ここでの息子たちの立ち回り方が良かった。全てを知りながら、おかつの優しさを敢えて受け止める”さりげない”気遣いが良い。おかつはきっと、彼らが立派な大人に成長したことに感じ入ったに違いない。おかつの育て方が良かったのだろう。実に美しい家族である。果たしてこんな家族が本当にいるだろうか？という突っ込みは置いておくとして、ある種、美しき家族のあり方を見せられた思いがして心が洗われた。

　逆に、このドラマに必要以上にリアリティを求めてしまうと、少々厳しいかもしれない。とてもじゃないが甘ったるくて見てられない‥という風になるだろう。
　例えば序盤、勇吉はおかつの親切を自然に受け入れてしまっている。しかし、ここは普通であれば何か裏があるに違いない‥と疑うのが当然であろう。しかし、この映画ではそうはならない。勇吉は短絡的におかつを信用してしまうのだ。このように、この映画は”現実”を見てしまうと全く入り込めなくなってしまう。

　ただ一方で、本作はこうしたドラマの過度な楽観志向を補正する上で、色々と工夫も凝らしている。その一番は独特の映像トーン処理である。これは中々面白い試みだと思った。

　今作の撮影監督は五十畑幸勇。彼は後年の市川崑作品に欠かせぬカメラマンである。今回はかつて宮川一夫と市川崑が「おとうと」(1960日）で試みた『銀残し』の手法を彷彿とさせるような、シルバーカラーのシックな映像処理が施されている。具体的には少し”くすんだ”色合いで、どこかノスタルジーを醸すような画作りになっている。物語からリアリズムを剥離し寓話性を付帯させ、見る側に＜古来の家族＞＝＜憧憬＞を強く提示している。この映像トーンは、見る側にある種の割り切り、このドラマはあくまで作り物ですよ‥という建前を宣誓しているようなもので、ドラマの”臭み”を上手く中和していると思った。

　キャストでは、おかつを演じた岸恵子が印象に残った。岸恵子と言えば、先述した「おとうと」の姉役が印象的だが、このキャスティングから見ても、先述の独特の映像処理は「おとうと」のオマージュと見ていいだろう。
　ただ、彼女を含め全てのキャストに言えることだが、個々の演技は概ねバタ臭い。それがかえってこの物語には合っている‥という言い方は出来るが、純粋に演技そのものを評価するとなると、どうだろうか‥。好き嫌いが分かれそうな気がする。
　尚、飲み屋の常連4人組は良い味を出していた。

グザヴィエ・ドラン再び母子愛憎を熱写！

「Mommy/マミー」(2014カナダ）
ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　架空の世界のカナダ。そこでは新政権が誕生し、新たな法案が可決され物議を醸した。それは、発達障害の子を持つ親が、法的手続きを経ることなく施設に入院させることができるという法律である。シングルマザーのダイアンは、ＡＤＨＤの息子スティーヴが矯正施設でボヤ騒ぎを越したことで彼を引き取ることになる。2人は新しい生活を始めるが、早速スティーヴが暴れ出してダイアンは困リ果てる。そこに向かいに住む主婦カイラがやって来てスティーヴを宥めてくれた。カイラと交流することで2人の暮らしは次第に穏やかな物になっていくが‥。

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（レビュー）
　シングルマザーとADHDの息子の愛憎を息詰まるタッチで描いた人間ドラマ。

　死んだ夫が残した借金を抱えて貧窮する母ダイアン。問題を起こして施設から追い出されたADHDの息子スティーヴ。最初はよくある母子愛憎のドラマかと思って見ていたが、途中から近所に住む主婦カイラが2人の関係に入ってくることで、奇妙な人間関係が形成されていく。カイラはダイアンにとっては親友となり、スティーヴにとっては第二の母親となっていくのである。この3者の関係が非常に面白く見れた。

　特に、カイラはワケありな女性で、興味深く見ることが出来た。
　彼女はエンジニアをしている夫と幼い娘と暮している。かつては教師をしていたが、今は離職していて吃音症を患っているために部屋に閉じこもる生活を送っている。ただ、映画を見ても彼女のプライベートが分かるのはここまでである。必要最低限の情報しか出てこない。それゆえ、とてもミステリアスなキャラクターに映った。
　とはいえ、ハッキリと分かることもあって、それはカイラの私生活はひどく窮屈なものであるということだ。外に出ないで部屋に閉じこもる不健康な生活を送っている。そして、夫の関係もどこか希薄である。そんな暗闇の日常の中に現れたスティーヴとダイアンという隣人は、きっと彼女にとって潤いと救いだったのではないだろうか。

　あるカットでカイラの幸せそうな家族写真がチラッと映る。そこにはスティーヴと同じ年頃の少年が写っていた。
　ここからは想像であるは、彼女にはかつて息子がいたのではないだろうか？しかし、何らかの原因で離れ離れになってしまい、それが原因で今のような暮らしを送るようになってしまったのかもしれない。
　そこから考えるに、カイラにとってスティーヴの存在は、我が子の代わりだったのかもしれない。だからこそ、あそこまで親身になって彼の世話をしたのだと思う。明らかにスティーヴはカイラに母性を求めていた。それと同じように、彼女もスティーブに息子であることを望んでいたのではないだろうか。2人は間違いなく疑似母子のような愛で結ばれていたように思う。

　この映画のタイトル「Mommy」は、もちろんダイアンのことを指している。しかし、その一方でカイラを指ている様な気がした。この2人はスティーヴにとっての”表”と”裏”の母親だったように思う。

　更に言えば、ダイアンとカイラは性格も見かけも全くタイプの異なる女性である。ダイアンは活動的で厳格だが、カイラは大人しくて優しい。これも人間の”表”と”裏”、”陽”と”陰”を表しているように思う。

　尚、ダイアンとカイラのラストの別れは実に見応えがあった。二人のセリフの意味を読み解いていくことで、決定的な母親像の違いが見えてくるからである。

　ダイアンは「人生の希望を選択する」と言っている。これは「自分の人生」を選択する‥という意味だろう。つまり、ダイアンはスティーヴを捨てて自分の人生を選択するつもりで、こう言い放ったのだと思う。
　これに対して、カイラは「家族を選択する」と言っている。先述したようにカイラには息子がいたかもしれない。そして、何らかの原因によって二人は離れ離れになってしまった。だとすると、カイラの中には二度と家族を失う悲しみは味わいたくない‥という強い思いが、きっとあるはずである。自分なら決して子供を見捨てたりしない‥。それが「家族を選択する」という言葉になって表れたのではないかと思う。

　ラストのダイアンとカイラの別れには、母親としての立場の違いが克明に記されている。ダイアンは子供を捨てて自分の人生を選択をした。一方のカイラは自分の人生を捨てて子供（家族）を選択をした。このラストの”2人の母親”の選択には、親の責任と覚悟の違いが読み取れて興味深い。

　と同時に、子を持つ母親の苦労も偲ばれ、子育ての難しさと、いずれ子は母親の元から去っていくという寂しさ。あるいは子の視点からすれば、そんな母親と生涯どうやって付き合って行くのか‥という問題を投げかけられているような気がした。
　血縁とは切っても切れない厳然たる事実である。この動かしようがない事実をどうやって受け入れていくのか？この難しさはスティーヴとダイアンの間で繰り広げられる数々の衝突からよく分かる。

　また、スティーヴのラストの顛末も興味深かった。かなり中途半端な所で終わるので、今一つスッキリしないと言う人もいるかもしれない。しかし、自分はその後のスティーヴがどんな人生を送るのか‥。色々と想像してしまった。余韻のあるラストで良かった。

　製作・監督・脚本・編集・衣装デザインは、現在世界が最も注目する若き俊英X・ドラン。ドランと言えば、監督デビュー作「マイ・マザー」(2008カナダ）が想起されるが、今回の映画も母子の凄まじい愛憎ドラマとなっている。ただし、「マイ・マザー」の少年は母の愛を拒んでいたのに対して、今作のスティーヴは母の愛をずっと求め続けるマザコン気質な少年である。キャラクターが正反対な所が面白い。そして、キャラは違えど、母子は永遠に離れられない運命にある‥という事を、この両作品は語っている。設定を変えても、結局ドランの言いたいことは一緒なのかもしれない。実に芯のブレない作家だと思った。

　ドランの演出も、ここにきて益々洗練されてきている。自分は彼の作品は、監督第2作「胸騒ぎの恋人」(2010カナダ）以外は全て見ているが、これまでの作品と比べてみても今回は映像のスタイリッシュさが際立っていた。少々コマーシャリズム過ぎるきらいはあるが、そこも含めてドランの手練には唸らされた。

　例えば、シンメトリックな画面構図、スローモーションによる映像演出は、ドラン作品の大きな特徴だが、今回も各所でキャラの感情をドラマチックに表現している。
　また、物語中盤で、3人並んで写メを撮るシーンが出てくる。まるで本当の家族のように肩を組んで仲良く記念写真を撮っており、その笑顔はとても朗らかで輝かしい。しかし、この幸せは長くは続かず、彼らは再び不幸に陥ってしまう。この時の至福の瞬間を切り取った1コマは、後半のスーパーのシーンで残酷な対比として再現されている。実に計算された伏線だと思った。

　更に、今回特筆すべきは画面サイズである。この「Mommy」の画面サイズは、基本的に1：1の画面比率になっている。最初は画面が窮屈で違和感を持ったが、実はこれにもちゃんと監督の演出意図が込められている。スティーヴたちの鬱屈した感情を表現するために敢えて1:1の画面比率にしているのである。そして、彼らの感情が解放された時に、画面は徐々に横に広がっていく。こうした画面サイズの切り替えは、これまで誰も試みなかった実験的演出と言えよう。画面が広がる時のパノラマ的高揚感に胸が震えてしまった。

江戸時代に実在した女性浮世絵師のドラマ。

「百日紅～Miss HOKUSAI～」(2015日）
ジャンルアニメ・ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　江戸の下町。当代一の人気絵師・葛飾北斎を父に持つお栄は23歳の女浮世絵師。居候の善次郎やライバル門下の売れっ子絵師・歌川国直らと賑やかな毎日を送っていた。そんな彼女にも悩みはあった。未だ恋を知らない彼女が描いた美人画には色気がないと言われたのだ。お栄は北斎の元弟子・初五郎に密かに想いを寄せていたのだが‥。

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（レビュー）
　実在した葛飾北斎の三女・葛飾応為、通称お栄が、様々な出来事を経験しながら一人前の浮世絵師になっていく様を美しい映像で綴ったアニメーション映画。
　原作は杉浦日向子の漫画「百日紅」（さるすべり）。それを「カラフル」(2010日）や「はじまりのみち」(2013日）で知られる原恵一が監督したアニメ作品である。

　葛飾北斎は知っていたが、彼に同じ道を歩んだ娘がいたとは知らなかった。お栄は父親譲りの才能で、父の代筆をしながら実力を上げていった女性絵師である。世の中的にはそれほど注目されなかったが、実は北斎との共作も多いと言われている。wikiによれば、彼女が描いた絵は現存するもので僅か10点のみということである。その1枚が映画の最後に出てくる。

　今作は、そんなお栄の知られざる人となりを紹介していく作品である。多少のフィクションは入っているだろうが、原作者の杉浦日向子は時代考証家としての顔も持つ才人である。歴史を踏まえてきちんと作っているのだろう。それだけに今回の物語は興味深く見ることが出来た。

　お栄のキャラクターは実に奥深く造形されている。父に追いつこうとする職人としての顔、恋に素直になれない乙女としての顔、年の離れた病弱な妹を思いやる姉としての顔。以上3つが、この物語から窺い知れるお栄のキャラクターである。これは我々が抱く日本古来の慎ましかやな女性像とは正反対である。実にエネルギッシュで快活で、ある意味では非常に現代的で”ロック”な女性だと思った。お栄のキャラクターが突き詰められたという点において、今作はキャラクター映画としてとても魅力的に作られている。

　中でも、病弱な妹との交流にはしみじみとさせられた。原恵一監督らしい情緒で引っ張ったエピソードが個人的にはツボに入った。

　ただ、今回の物語では他にも幾つかサブエピソードが語られており、それらがすべて面白く見れたわけではない。中には、どうしてこれが入っているのだろう？と思えるようなエピソードもあった。
　今作の原作は長編マンガである。その原作を1時間半の映画にまとめるなら、エピソードの取捨選択は当然必要になってくる。どこに重点を置き、どれを捨てるのかという作業が大変重要になってくると思う。しかし、今作はそこが余り上手くいってるように思えなかった。どれもこれも欲張りすぎてしまった‥という印象である。

　例えば、妖怪のエピソードは確かにアニメならではのファンタジー表現で魅力的に描かれていたが、結果、お栄の成長ドラマにはほとんど何の寄与も果たしていない。日常の中の非日常を描いた1エピソード‥という程度で、ドラマを散漫にしているだけである。
　お栄が描いた屏風のエピソードも然り。「地獄」と「極楽」というキーワードは、お栄の妹を描く後半のエピソードで再び登場してくるが、それを抽出した逸話だとしても特に必要は無かった。お栄が北斎との実力の差に打ちのめされる‥という意味においても蛇足である。すでに映画を見ていれば至る所でそれが分かるからだ。

　このように幾つかのエピソードについては、それほどの関心を持って見ることは出来なかった。むしろ、それを描くのであれば、メインのエピソード、初五郎との関係、妹との関係、父との関係をもっと深く掘り下げて欲しかった。

　映像は全体的に美しく、四季折々の風景における味わい深い色彩配置、江戸の下町風景の細やかな描写、モブの丁寧な描写が素晴らしかった。また、北斎の絵を彷彿とさせる大胆な映像手法もあり、このあたりの実験も斬新で面白かった。

　キャストは、割とフラットな声質で全体的にまとめられている。いずれも俳優が演じているのだが、気になる人は気になるかもしれない。ただ、全体としてまとまっているので、特に誰かが浮いているという感じはしなかった。おそらく監督の意向で敢えてフラットな演技に統一されているのだろう。落ち着いた”声作り”になっている。子供を主人公してきたこれまでの作品と大人を主人公にした今回の作品の違いのように思えた。

アツい音楽青春映画！

「セッション」(2014米）
ジャンル青春ドラマ・ジャンル音楽
（あらすじ）
　偉大なジャズドラマーを夢見て名門シェイファー音楽院に入学したニーマンは、ある日、フレッチャー教授の目に止まり、彼のバンドにスカウトされる。自信と期待に胸膨らませるニーマンだったが、フレッチャーの過酷な指導は想像を絶していた‥。

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（レビュー）
　プロのジャズドラマーを目指す青年と彼を指導する音楽教師の対立を緊張感みなぎるタッチで描いた音楽青春映画。

　ジャズはまったくの門外漢なので、ここに登場する楽曲や演奏の素晴らしさを全て理解できているとは言い難い。しかし、純粋に1本の映画として見た場合、画面から伝わってくる熱量のハンパなさは、近年見た中では圧倒的であり、見終わった後には何とも言えぬ充実感に満たされた。
　音楽を通して心が通うとか、音楽が人生を幸せにするとか、そんな甘ったるさはこの映画にはない。むしろ、音楽は人を破滅させることもあるし、憎しみを生むことだってある、本当は恐ろしいものなのだ‥ということを、この映画で教えてもらったような気がした。

　そして、ジャズをモティーフにした映画ではあるが、より普遍的にこのドラマを解釈すれば、これは父と子の葛藤の物語ではないかという気がした。
　ニーマンとフレッチャー、夫々のバックストーリーを紐解いていくと、彼らの関係は興味深く見れる。

　ニーマンは教師をしている父と二人暮らしで、母は離婚して不在である。彼の父は見るからに凡人で、ごく平均的なサラリーマン・タイプの中年男である。そして、ニーマンは父とそれほど親密というわけではない。それは、人生の負け犬である父に尊敬の念を持てないからであろう。ここからニーマンのバックストーリーには”父性”が欠けている‥という見方が出来る。むしろ、この父はニーマンを温かく包み込む”母性”のように存在している。

　一方のフレッチャーは、劇中ではプライベートの描写が一切ない。今作はニーマン視点のドラマなのでそれも当然である。それゆえ彼の背景については想像するほかないのだが、しかし何となくは分かる。おそらくフレッチャーは家族という物を持たない人物だろう。そもそも音楽の求道者たる彼にとって、家族とは邪魔な物、不要な物でしかない。ただ、血の繋がった家族は持たなくても、家族と呼ぶに等しい物はあり、それが彼の生徒達である。しかも、彼の音楽を深く理解し音楽の世界で成功した者だけが家族であり、落伍した者はただの赤の他人である。しかして、映画を見る限り、彼が求める生徒＝家族は未だ現れていない状況にある‥という事が分かる。ここから、フレッチャーは生徒に家族（息子）を求めた男だった‥という見方が出来る。

　尚、映画の後半で、フレッチャーを追い詰める”ある事件”が発生する。この事件は実に象徴的だ。何故なら、彼の大切な家族の喪失を意味するものだからである。

　このように見てくると、ニーマンとフレッチャーの間には自ずと疑似父子的な関係を重ねて見ることが出来る。
　だから、自分にとってこの映画は音楽映画という以前に、子が父を乗り越える青春映画としての面白さが感じられた。

　とはいえ、音楽は今作の魅力の大きな下支えとなっている部分である。
　現に、クライマックスの演奏シーンには目が釘づけになった。裏切り、裏切られを繰り返してきた二人の戦いがどこへ向かっていくのか？果たしてニーマンはフレッチャーを超えることが出来るのか？実にスリリングで興奮させられた。
　と同時に、これは二人の戦いの、ほんの始まりに過ぎないのではないか‥という感想も持った。かなり歯切れよく終わるので、エンドロールを見ながらその後の二人の戦いをあれこれ想像してしまった。この余韻もまた味わい深い。

　監督・脚本はこれが初監督作となるデイミアン・チャゼル。フィルモグラフィーを見ると、これまでは主に脚本の仕事をしてきたようで、今作で監督デビューらしい。音楽はテンポが大事であり、それだけに演奏シーンの演出センスも問われてくるが、初演出ながら非常に上手く作られていると思った。演奏の緊迫感にも並々ならぬ力量が感じられる。ただ、少々劇画チックになってしまう箇所があるので、そこは好き嫌いが出てくるかもしれない。

　また、特筆すべきは編集である。これが演奏シーンの迫力を作り出している。実に素晴らしかった。

　キャストの奮闘も忘れられない。特に、フレッチャーを演じたJ・K・シモンズの圧倒的存在感は、映画全体を支えていると言っても過言ではない。大体によって、この強烈なビジュアルは、かのキューブリックの戦争映画「フルメタル・ジャケット」(1987英）におけるリー・アーメイを想起させる。人格無視の罵詈雑言の数々で生徒たちを徹底的に管理しようとする所も一緒だし、武骨で冷酷な面構えの迫力たるや、ほとんど人間の形相を成してない。まるで心を持たない悪魔のようであった。
　一方、ニーマンを演じたマイルズ・テラーの熱演も素晴らしかった。手から血をしたたらせながらのドラミングは見てて痛々しいほどだった。

　尚、今作を見て、以前紹介した「ペーパー・チェイス」(1973米）という映画を思い出した。あちらは一流大学をを舞台にした文科系映画、こちらは音楽大学を舞台にした体育会系映画である。タイプこそ違え、教師と生徒の戦いをどこまでも突き詰めた所は一緒である。ただ、終幕がまったく異なる所が面白い。時代の差だろう。向こうは70年代のモラトリアムの空気感を反映させた締めくくり方だったのに対し、こちらはどこまでも戦って、戦って、戦い抜くという終わり方になっている。今の時代、そうでもしないと這い上がることは出来ない‥という厳しさを突き付けられているような気がした。

切れ味鋭いワン・シチュエーション型コメディ。小品ながら見応えがある。

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「おとなのけんか」(2011米）
ジャンルコメディ
（あらすじ）
　少年同士が喧嘩になり、片方の少年が前歯を折る大怪我を負った。加害者の両親カウアン夫妻が被害者の両親ロングストリート夫妻の家に謝罪に訪れた。最初は和解の話し合いが行われるが、次第に両者は感情をヒートアップさせ‥。

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（レビュー）
　子供の喧嘩で和解に集まった大人たちが、次第に感情を爆発させていくシニカルなシチュエーション・コメディ。上映時間80分弱、主要人物がたったの4人という小品ながら、一瞬も隙のない完成度の高い作品に仕上がっている。

　尚、今作は戯曲の映画化である。その原作者が今回の脚本も手掛けている。したがって、自分は戯曲の方は知らないが、原作者が脚本作りに入っていることから、おそらく元々の戯曲からそう遠くかけ離れたものではないのだろう。こういうのは何となく信頼できる。

　監督はR・ポランスキー。彼はかつては大作志向の強い作品も手掛けていたこともあったが、ここ最近は割と小さなバジェットで独創性の強い創作を行っている。年齢的にはかなりのお年を召していて、そうそう大きな作品を撮ることも出来なくなってきたのかもしれない。体力的な問題は当然あろう。そして、今回はここ最近の小さな作品作りの究極系という感じがした。映画は何もお金をかければ面白いものができるわけではない。それを実証して見せているかのようで、感心させられた。

　物語は、公園で少年同士が喧嘩をするところから始まる。その後、被害者の少年の両親宅に加害者の両親が訪ねるというシチュエーションに切り替わる。以降、映画は全編この部屋を舞台にした会話劇で展開される。

　最初は穏やかに話し合いが行われるが、被害者の両親はどうしても気持ちがおさまらず、つい皮肉を口にしてしまう。それにカチンときた加害者の両親が、売り言葉に買い言葉で皮肉を言い返す。こうして互いのいがみ合いが過熱していく。後半は、子供の喧嘩そっちのけで、もはや個人的な喧嘩になってしまう。それが恐ろしいやら可笑しいやら‥。今作はこの過程が実に丁寧に表現されていて、終始面白く見れた。

　例えば、途中で夫と妻が夫々の立場を忘れて共闘していく場面がある。男は男同士で葉巻を吸って酒を飲み、女は女同士で主婦の不満を夫たちにつらつらと述べ始める。この加害者側と被害者側の人間が捻じれていく様は、傍から見ればまったくもって愚かしいことである。しかし、ここには男女の性差がはっきりと見て取れて、一定のリアリティも感じられた。

　また、この映画はラストが秀逸である。ここに、この映画のメッセージが集約されていると思った。ポランスキーらしい痛烈なメッセージにニヤリとさせられた。

　この映画には様々な小道具が登場してくるが、その使い方にも感心させられた。高価な画集、花、ドライヤー、高級な酒、ハムスター、携帯電話、市販薬、そして時々電話をかけてくる被害者の祖母。これらがストーリーを揺さぶる役割を巧妙に果たし、本来、平板になってもおかしくないワン・シチュエーションのリアル・タイム・ドラマに上手に緩急をつけている。その使い方は実に洗練されている。

　個々のキャラクターもシンプルに造形されていて良いと思った。被害者の両親はどちらかというと、中流階級の夫婦で、夫は昔気質の商人、妻は平凡な主婦業から抜け出したいと願っているリベラルな女性である。一方、加害者の両親は、夫がやり手の弁護士で、妻は投資ブローカーである。被害者の両親に比べれば裕福な有識者で、この格差が夫々の嫉妬、この喧嘩の元凶になっているような気がした。自然と皮肉混じりな会話になってしまうのも当然で、腹の底では互いを快く思っていないのであろう。

　キャストの好演も見逃せない。加害者夫婦役はC・ヴァルツとK・ウィンスレット、被害者夫婦役はジョン・C・ライリーとJ・フォスターがそれぞれ演じている。肩の力を抜いた演技が好印象である。ただ、終盤でJ・フォスターが鬼気迫る熱演を見せている。これはこれで逆に笑ってしまった。周囲からは明らかに浮いた熱演であり、そのギャップが余計に可笑しかった。