壁を壊せ！

ウォールフラワー スペシャル・プライス [Blu-ray]

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「ウォールフラワー」(2012米）
ジャンル青春ドラマ
（あらすじ）
　内向的な少年チャーリーは高校デビューに失敗し、孤独な学園生活を送っていた。ある日、フットボールの観戦中に陽気な上級生パトリックに勇気を出して声を掛ける。意外にもパトリックは気さくに応えてくれて、彼の義理の妹サムを紹介してくれた。こうしてチャーリーは、彼らと充実した高校生活を送るようになる。そして、彼はサムに好意を寄せていくようになるのだが…。

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（レビュー）
　内気で孤独な少年の学園生活をカジュアルな映像と一抹のほろ苦さを交えて描いた青春映画の佳作。

　同名原作（未読）の映画化で、原作者本人が監督を務めている。尚、製作には俳優のJ・マルコビッチが名前を連ねている。

　いわゆる低予算のインディペンデント映画だが、所々の映像演出にセンスがあり余り安っぽさを感じさせない。原作者であり監督も務めたS・チョボスキーの手腕は中々で、作品自体はとても洗練されていると思った。

　ストーリーも、チャーリーのモノローグで牽引するスッキリとした構成で大変見やすい。いわゆるスクール・カーストの最底辺に位置する主人公が周囲の優しい人々に囲まれながら次第に充実した学園生活を送るようになる‥といったオーソドックスなドラマとなっている。

　但し、劇中で時々チャーリーが『誰か』に宛てた手紙を音読しているのだが、この『誰か』は映画を最後まで見てもよく分からない。見終わった後に少しモヤモヤしてしまう人もいるだろう。どうやら原作も同じような構成になっているらしい。

　自分は、この『誰か』は『過去のチャーリー』なのではないかと想像した。かつての孤独な自分。「ウォールフラワー（壁の花）」として目立たぬ存在だった自分。そんな過去の自分に宛ててこの手紙を書いていたのではないだろうか。

　こう考えると映画のラストも合点がいく。ラストは手紙の相手に別れを告げて終わる。これは過去の自分と決別した‥ということを意味しているのだろう。過去を捨て未来に向かって新しく生まれ変わるんだ‥という強い意志。それがこのラストの手紙から感じられた。前向きで実に清々しい結末である。

　もちろん、この『誰か』は見た人それぞれの解釈があっていいと思う。それを探し当てることが、このドラマのミステリーであり、映画の味わいに深みを与える”仕掛け”にもなっている。

　今回が初演出となるS・チョボスキーだが、中々どうして。手練れた構成、語り口で観客を上手く揺さぶるあたりに、かなりの才能が感じられた。本作以降、新作の情報がまだ来てないが、今後どのように映画と関わって行くのか、少し楽しみである。
　
　ただ、少しだけ苦言を述べるなら、本作はかなりダークな一面も持っていて、例えば後半で明らかにされるチャーリーのトラウマ、サムたちが置かれてる状況には、現代社会の”闇”とも言うべき、児童虐待やドラッグや同性愛といったネガティブな問題が隠されている。この辺りは見る人によって好き嫌いが分かれるかもしれない。個人的には、現実を直視させる監督の気概には感じ入ったが、明朗快活な青春映画を望む人には後半から途端に入り込めなくなってしまうだろう。このあたりはもう少し抑えても良かったのではないか‥そんな気がした。

　尚、個人的には映画のタイトルもお気に入りである。この「ウォールフラワー（壁の花）」とはチャーリーのことを指している。彼はパーティー会場や学校の食堂、どこにいても壁際に座る「ウォールフラワー（壁の花）」である。決して皆が集まる中心には入って行かない。
　映画前半、パーティー会場の真ん中で踊るサムたちにチャーリーが歩み寄って行くシーンがある。何気ないシーンだが、ここは印象深かった。余りにも楽しく踊るサムたちを見て、おそらくチャーリーは自然と身体が動いてしまったのだろう。ああいふうに自分も楽しく踊ってみたい‥という憧れが、彼を前進させたに違いない。チャーリーが「ウォールフラワー（壁の花）」を脱した瞬間のように思えた。

　また、『壁』というのは本作の重要なモチーフになっているような所があり、それは主題歌曲でもあるD・ボウイの「ヒーローズ」にも込められている。
　この「ヒーローズ」は中盤とエンディングに2度かかる。ご存知の通り、D・ボウイは癌との闘病の末、先日亡くなったが、この時ドイツの外務省はこの曲がベルリンの壁の崩壊に一役買ったということを公式に発表した。『壁』を壊すというのは、人生で言えば、新しい自分に生まれ変わるということである。
　しかして、エンディングでかかる「ヒーローズ」である。ここでこの名曲が流れると、チャーリーは今正に自分の『壁』を壊して未来へ羽ばたいていったんだなぁ‥という思いになって胸が熱くなってしまう。
　選曲を含め、このカタルシスを創出したチョボスキーの手腕はホンモノと言う気がした。

　キャストでは、サム役を演じたエマ・ワトソンが印象に残った。「ハリー・ポッター」シリーズのハーマイオニー役でデビューした子役が、今ではすっかり一人前のレディになって女優活動に勤しんでいる。彼女は本作でかつての可愛らしいイメージから完全に脱却したと言っていいだろう。彼女の今後の活躍も楽しみである。

ある一人のストリート・ミュージシャンを追ったドキュメンタリー。
「ドコニモイケナイ」(2011日）
ジャンルドキュメタリー・ジャンル青春ドラマ
（あらすじ）
　歌手を夢見て上京した一人の少女の姿を捉えたドキュメンタリー映画。

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（レビュー）
　渋谷でストリートミュージシャンをしている吉村妃里という女性を追ったドキュメンタリー作品。

　都会に憧れてやって来た若者の青春の光と影‥と言えば、よくある話だが、今作は正真正銘、リアルなドキュメンタリーである。

　映画は10年前の渋谷から始まり、ラストはその9年後、紀里の故郷・佐賀で終わる。夢を抱いて都会に出たはいいものの、厳しい現実に挫折し、挙句の果てに総合失調症に陥り最後は田舎に戻る‥という何ともやるせない思いにさせられる映画だが、これが現実‥という思いが湧きおこった。果たして紀里の今後はどうなるのだろうか？これからどんな人生を歩んでいくのだろうか？タイトルの「ドコニモイケナイ」の意味が反芻される。

　本作は一人の女性を追ったドキュメンタリー映画で至極プライベートな作品である。しかし、秘められたメッセージは存外普遍的だと思う。若者の閉塞感はいつの世にも存在するものであるし、小さな世界から抜け出そうともがき苦しむ彼女の姿は誰が見ても共感を覚えられるだろう。

　映画前半の妃里の笑顔は実に屈託なく輝いている。夢に向かって進もうというポジティヴな姿勢。未来を切り開いていこうという若々しいエネルギーに溢れている。それが後半に入ってくると完全に失われてしまう。誰が彼女をこのように変えてしまったのか？彼女自身の未熟さなのか？あるいは彼女の夢を打ち砕いてしまったプロダクションなのか？あるいは紀里と共同生活をするようになった友人の影響なのか？原因はハッキリと分からない。

　しかし、このハッキリとしない部分が心に引っ掛かり、このドラマを考察する上での重要なマテリアルになっている。更に、作品に生々しさを与えている大きな要因にもなっている。

　いずれにせよ、後半の妃里は目がうつろになり、奇行が目立ち始める。最初の頃の輝いた瞳は完全に曇ってしまう。

　クライマックス、映画は9年後に飛び、現在の妃里の姿を捉えていく。紀里の精神は幾分安定しているように見えた。しかし、いまだあの頃の輝いた瞳は取り戻していない。
　普通の映画であれば、ここで彼女が病気を克服して新しい夢に向かって羽ばたいていく‥となろうが、本作はリアルな現実を描いたドキュメンタリー映画である。感動を売りにした作り手側の見え透いたドラマは一切存在しない。徹底してリアルな青春が息づいているだけである。

　ドキュメンタリー映画の真価は、如何に観客を現実に直視させるか‥という所にある。そういう意味では、本作は極めて真摯に作られた作品のように思う。嘘や偽りのない現実をきちんと照射している所に好感が持てる。

　監督はこれが初長編の新人監督らしい。最初は妃里のストリート・ミュージシャンとしての姿をカメラに収めようとしたが、彼女が総合失調症で緊急入院したことから撮影が未完のまま頓挫してしまったらしい。しかし、監督はこのままで終わらせるわけにはいかない‥という思いで9年ぶりに製作を再開したということである。言わば、本作は足かけ10年にも及ぶかなりの労作である。これだけの熱意で作品を作り上げた所に、作家としての使命感みたいなものが感じられた。

　尚、個人的に最も印象に残ったのは、プロダクションから解雇通告された妃里が、その帰路でボロボロと泣き出すシーンだった。どんなに悔しかったのだろうか‥。見てて実に不憫だった。

個人的にツボに入りまくり！

「シング・ストリート 未来へのうた」(2015アイルランド英米）
ジャンル青春ドラマ・ジャンルロマンス・ジャンル音楽
（あらすじ）
　1985年、アイルランドの首都ダブリン。14歳の少年コナーは、父の失業で優秀な私立学校から荒れた公立学校への転校を余儀なくされた。早速虐めにあうも、めげずに学校に通っていたある日、モデルを目指す少女ラフィーナと出会う。一目惚れしてしまったコナーは、口から出まかせにバンドのビデオに出演して欲しいと頼む。こうしてコナーは学校の冴えない連中と即席のバンドを結成して猛練習に励むのだが…。

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（レビュー）
　好きな女の子のためにバンド活動を始める少年の心の成長を、80年代のヒットナンバーを交えて爽やかに綴った音楽青春映画。

　よくある話と言えば確かにそうなのだが、不況のどん底にあえぐ当時のアイルランドの社会情勢を忍ばせたことにより一定のリアリティを持った作品となっている。単なる夢見がちなチェリーボーイのストーリーだけで終わってない所が良い。

　コナーの鬱屈した感情は冒頭からよく表れている。両親の関係は完全に冷め切っており、いつ別居してもおかしくない状況にある。また、兄は引きこもりの音楽バカ。姉は音楽家になる夢を絶たれて別の仕事に就くために勉強をしている。現状、コナーの家族は決して恵まれているわけではない。当時の不況の煽りを受けて完全にどん底の状態にある。以降、こうしたコナーの複雑な家庭事情がドラマの舞台袖に時々登場してきてドラマにリアリティをもたらしていく。

　一方、コナーとラフィーナの恋愛ドラマはというと、こちらは見ているこちらが恥ずかしくなるくらいファンタジックに描かれている。コナーはバンドを組んで何とかして彼女に近づこうとする。彼の純情な行動は見てて素直に応援したくなった。

　80年代の音楽がバックにかかるというのも好印象である。デュラン・デュラン、ザ・クラッシュ、ザ・ジャム、ザ・キュア等が奏でる数々の名ナンバーが画面を盛り上げている。そして、コナーが組んだバンドのオリジナル・ソングもいかにも80年代的で個人的にツボに入りまくりである。コナー自身が作詞をしているという設定なので、歌詞の中には彼の心情も投影されており、強いメッセージを放っている。見ているこちら側にダイレクトに伝わってきた。
　ストーリーは至ってシンプルである。しかし、このシンプルさを補って余りある楽曲的魅力。それがこの映画の鑑賞感を豊饒な物にしている。

　監督・原案・脚本は「ONCE　ダブリンの街角で」(2006アイルランド）で注目された俊英ジョン・カーニー。本作は彼の自伝的要素が入った作品だそうである。実際に彼自身、ロックバンドを組んでた時期があり、音楽に対するこだわりは相当強いものと思われる。「ONCE～」のクライマックスの歌唱シーンには心を揺さぶられた。
　歌唱シーン、楽曲的魅力に関しては本作も然りである。コナーが学校の体育館で初めて行うギグのシーン。暗い現実との対比で描かれたコナーの歌唱と夢想には切なくさせられた。

　また、全体的に展開が軽快なのでストレスなく見れるのも良い。音楽と映像を相関させた演出も手練れていて、この辺りのカーニー監督の手腕には唸らされるばかりだ。

　一方、ストーリー的にやや安易に映る部分があり、そこは少し詰めが甘いという気がした。話をスピーディーに進めるあまり、バンドを結成してから初めてのPV撮影を行うまでが若干性急に感じた。もう少し腰を据えた展開にした方が説得力が生まれたのではないだろうか。
　また、せっかく個性的なバンドメンバーが揃っているのだから、彼らのバックストーリーをもう少し本編に織り込んで欲しかった。

　ラストの締めくくり方は秀逸だった。その後のコナーの運命を見届けたい‥と思わせてくれるような、そんな余韻を残したエンディングになっている。映像上にそのまま表現されていたが、彼の先に待ち受けるのは正しく”荒波”であろう。もしかしたら非情な現実に敗北してしまうかもしれない。しかし、彼はまだ若い。やり直そうと思えばいくらでもやり直せる年齢である。その覚悟みたいなものが彼の強い眼差しから感じられたのが良かった。これぞ青春映画然とした潔い結末…そんな気がした。安易なロマンチズムに堕してない所が◎である。

庵野監督の美的感性がいかんなく発揮されたアート作品。

式日 [DVD]

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「式日 SHIKI-ZITSU」(2000日）
ジャンルロマンス
（あらすじ）
　描くべきテーマを失った映画監督（カントク）は、ある日線路に寝そべる少女と出会った。彼女は明日が自分の誕生日だと言う。興味を持ったカントクは彼女をカメラに収めながら次第に惹かれていくのだが‥。

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（レビュー）
　大ヒットアニメ「新世紀エヴァンゲリオン」の庵野秀明監督が撮った長編実写映画2作目。

　過去にトラウマを抱えた少女と自信を喪失した映画監督の1カ月に渡る奇妙な交流を、繊細なタッチで描いた恋愛ドラマである。

　全体的に映像が凝っていて、かなりアート志向の強い作品になっている。アニメーションにおける映像とは、「画」そのものを如何様にも整えられるため、実写映画よりも作家としてのセンスが問われるように思う。この視覚的な”美”が物を言うアニメーションという世界で活動してきた庵野監督の強いこだわり。それが随所に感じられた。

　もう一つは、プロダクションデザインの仕事ぶりにも感心させられた。
　少女が住む廃墟と化したビルは、まるで彼女の脳内世界を具現化したような幻想的なオブジェによって塗り固められている。余りにも非現実的な世界観であるのは、彼女の心が現実を遠ざけている証であり、この刺激的な美術には目を奪われてしまった。

　例えば、彼女の寝室が何度が印象的に登場してくるが、カントクが初めてその敷居を跨ぐシーン。部屋一面が水浸しになっている。そして天井からは何十本という赤い傘がぶら下がっている。この世の物とは思えぬ美しさと妖しさを放ちながら少女の脳内小宇宙が幻想的に具現化されている。
　この他にもマネキンが並べられた部屋、真っ白い部屋に赤色の小物で彩った”電話の部屋”、巨大なNゲージを敷き詰めた部屋等、ハイ・アートな美術が複数登場してくる。

　シーンごとに変わる少女の服飾やメイクも然り。様々にデコレーションされた映像は微細にして過激。そこが鼻に付くという意見もあろうが、ミニマムな分、余り嫌らしさを感じさせない。

　実写とアニメーションの融合も出てくる。このあたりは次作「CUTIE HONEY キューティーハニー」(2003日）で更に彩度を上げて実践されているが、今回は割とダーク調なアニメとなっている。
　ただ、これに関しては、正直、全体から浮いてしまっている印象を持った。「CUTIE HONEY～」は大仰なコメディなので自然にアニメーションも溶け込んでいたが、本作は極めてシリアスな作品である。そこに突然アニメが挟まってしまうと、どうしても違和感を拭えない。余りにも奇をてらいすぎて下手をうってしまったという感じである。

　一方、ドラマはというと、残念ながらこちらは今一つ‥といった感じで惜しまれる。
　心を病んだ少女の話なのだが、延々と鬱病患者の愚痴を聞かされているみたいで、見ていて余り良い気持ちはしない。これでドラマ的な起伏があればまだ見ていられるのだが、展開が鈍い上に退屈するのが致命的だ。今作はストーリーで見せるタイプの映画ではない。それは分かるのだが、そうであればもっと時間を長く感じさせない演出的な工夫、あるいは人物の魅力を引き立たせるような作劇が必要であろう。

　そもそもの話をしてしまうと、今回のヒロインは「新世紀エヴァンゲリオン」の惣流・アスカ・ラングレーに重なって見えてしまう。その生い立ちや置かれている環境、愛を欲するがゆえに精神を崩壊させてしまう過程等。アスカのバックボーンとほとんど変わらない。
　序盤こそ、奇抜なファッションやミステリアスな言動に惹きつけられたが、彼女が母親の留守電メッセージを流すシーンで、何となくそんな臭いを感じ取ってしまい、それからは次第に魅力が失われてしまった。

　庵野監督の描く女性像はひどく類型化されていて、見てて余り面白味を感じないのは俺だけだろうか？
　先日見た庵野監督の「シン・ゴジラ」(2016日）にも、実は「エヴァ」のヒロインである綾波レイとアスカは出ていたと思う。市川実日子が演じるゴジラ対策チームの紅一点のキャラが綾波レイ、石原さとみ演じるアメリカ大統領特使がアスカ。対照的なヒロイン像がそんな印象を持たせてしまう。
　加えて、市川実日子がラスト付近で初めて笑顔を見せるのは、やはりTV版「新世紀エヴァンゲリオン」第6話のラストで見せたレイの笑顔に重なって見えてしまう。
　もっとも、今回の「シン・ゴジラ」は、庵野監督自身が確信犯的に「エヴァ」のオマージュをやっているような節があるので、このヒロイン像も敢えて狙ってやっているという感じがしなくもないが‥。

　話は逸れてしまったが、今作のヒロインも何だかどこかで見たことがあるような造形で、個人的には余り新味を感じなかった。

　少女を演じるのは、かのスティーブン・セガールの実娘、藤谷文子。彼女は今作の原作小説も手掛けている。パッと見て美人というわけではないがハーフならではの特徴的な顔立ちをしていて、その外見、そしてラディカルな演技にはかなり惹きつけられた。年相応に奔放に振舞ったかと思えば、山口弁丸出しで激昂したり、襟を正したスーツ姿に着替えたり、パンクな出で立ちで歌唱したり。ともすれば彼女のPVなのではないか？と思えるほど強烈な魅力を振り撒いている。キャラクターそのものは余り関心を持てなかったが、藤谷自身の魅力はよく出ていると思った。

　一方、カントクを演じるのは実際の映画監督である岩井俊二である。決して演技が上手いとは言えないが、彼女を包み込むような父性は上手く出ていたと思う。
　この役は映画を撮れなくなってしまった映画監督という役所である。思うに、このキャラクターは大ヒット作「エヴァンゲリオン」の監督というプレッシャーに押しつぶされそうになっている庵野自身そのものではないだろうか？だとしたら本人が演じてもおかしくはない役所である。ただ、スクリーン映えするビジュアルを持った本物の映画監督ということで岩井監督にオファーがいったのだろう。このキャスティングもこれで正解だったように思う。

ここで庵野秀明監督の実写作品を。

ラブ&ポップ SR版 [DVD]

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「ラブ＆ポップ」(1998日）
ジャンル青春ドラマ
（あらすじ）
　高校二年の裕美は、知佐・奈緒・千恵子たちと渋谷で援交をしていた。渋谷の街をぶらつくだけですぐにオヤジ達に声をかけられ、食事をするだけで万の金が貰えた。ただ、裕美はこれまで一人で援交したことはなくいつも誰かについていくだけだった。そんなある日、裕美は奈緒から携帯電話を託される。それは援交相手のオヤジの忘れ物だった。裕美はそれを使って伝言ダイヤルに電話をかけるのだが‥。

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（レビュー）
　援交少女たちの日常を奔放な映像スタイルで綴った青春映画。

　アニメ「新世紀エヴァンゲリオン」で一世を風靡した庵野秀明監督が初めて撮った長編実写映画である。原作は村上龍の同名小説。

　なぜに庵野監督がこの原作を撮ることになったのか？その動機や経緯は分からないが、大の特撮・アニメマニアとして知られる氏が、こうした題材で映画を撮ることがちょっと意外だった。

　ただ、彼の代表作である「エヴァンゲリオン」はSF物でありながら、その実ストーリーの根幹には少年の成長物語がはっきりと息づいており、思春期特有のエロスとタナトスとでも言おうか。その相克がもたらす破滅の美が独特のケレンミで表現されていた。少なくともTV版と、そこから続く旧エヴァ劇場版に関しては、そういう解釈の仕方が出来る。
　そこから考えると、庵野監督が同時代的なリアルな少女たちの青春を描こうとしたことは何となく頷ける。「エヴァンゲリオン」を見ている身としては、今回の「ラブ＆ポップ」も、同じ青春ドラマとして興味深く見ることが出来た。

　もっとも、氏にとって初の長編実写となる本作、監督自身の意欲と野心がかなり悪い方向に溢れてしまっている‥という印象を持った。庵野作品の特徴の一つと言えば、偏執的な画面作りである。それが今回は度を過ぎて追及されており、異様な作風が貫通されている。見る人によってかなり好みが分かれそうな作品であり、正直な所、自分もこの映像世界には途中から辟易としてしまった。

　まず、何と言ってもカメラワークが斬新すぎる。デジタルカメラの機動性を活かしながらドキュメンタリータッチで撮られている。場面によっては効果を上げている個所もあるのだが、逆にそれによって見辛くなっている個所もある。

　例えば、渋谷の街を自由に闊歩する裕美たちの姿は非常に活き活きと撮られていて成功していると思う。それは渋谷という街が彼女たちの「非日常」を意味しているからである。「ハレ」と「ケ」で言えば渋谷は「ハレ」である。シュールな魚眼レンズも「非日常性」を際立たせるのに奏功している。

　逆に、裕美の家庭描写は「ハレ」と「ケ」で言えば「ケ」である。退屈で平凡な家族とのやり取り、シャワーを浴びて寝るだけの場所という「日常」の世界である。ここはシュールに撮影してはダメだろう。渋谷の「非日常」との対位性を考えても抑制すべきである。
　裕美が着替えるシーンで、わざわざシャツの中から撮る映像など邪魔なだけである。他にも、扇風機や電子レンジの中からのアングル、部屋の天井をぐるぐる回るカメラワーク等、余りにも映像が凝り過ぎて鼻に付く。
　学校の描写も然り。スタイリッシュなオブジェを背景にしたシーンが出てくるが、これなども悪戯に凝り過ぎである。

　総じて画面が目まぐるしく変わり、尚且つ庵野流編集で短いカッティングが横溢するため、全体的にメリハリがない。音楽のPVや短編映画であれば、それもいいだろう。しかし、120分の長編で全編これをやられると疲れてしまうだけである。第一に抑揚がない。全体に同じタイミング、編集なので、見る側の脳裏に焼き付くようなショットを生み出すに至ってない。これは非常に勿体ないと思った。

　それでも敢えて印象的なショットを挙げるとすればエンドクレジットである。この長回しは裕美たちの心情を雄弁に語っていて印象に残った。

　ちなみに、カメラのレンズにゴミが付いているショットも見つかった。これなどは、とてもプロの仕事とは思えないミスである。

　色々と技術的な面で苦言を呈してしまったが、ドラマそのものは中々面白く見ることが出来た。

　まず、出てくるオヤジ達が変態ばかりで、このあたりはアニメ出身の庵野監督ならではのデフォルメ感覚で面白いと思った。リアルな援交とはもっと平凡なオヤジがやっていたりするものである。しかし、ここに登場するオヤジ達は皆ユーモラスで、ヘンに淫靡にならないで済んでいる。このあたりのマンガ的な表現は絶妙にして好印象だった。
　特に、マスカットを持ち歩くオヤジや、レンタルビデオ屋で悪戯を強要する青年などは、かなり面白く見れた。

　そして、こうしたデフォルメ・トーンの中でも、本作は主人公・裕美の心情はきちんとリアルに表現できていると思った。彼女の孤独感、日常から脱したいという不満、友達から置いて行かれたくないと言う焦り。そうした思春期特有の葛藤は手に取るように伝わってきた。
　確かに一つ一つのエピソードは断片的で食い足りない。しかし、全てが裕美を中心としているので彼女の心情を自然にトレースすることができる。特に、指輪の件以降、全体の物語にも裕美の心情にも”芯”が生まれてくる。

　もっとも、援交を通して性的トラウマを植え付けられてしまうあたりから、この映画はかなりダウナー方面へ向かってしまうので、個人的には余り乗れなかったが‥。先述したエンドクレジットが少しだけその苦みを和らげてくれるから良いようなものの、あのまま終わっていたら、この映画はかなり救いがない映画になっていたことだろう。

　キャストでは、千恵子役の仲間由紀恵が印象に残った。他の3人に比べると少し大人びた雰囲気を醸しており、頭一つ抜きんでている。他の3人は本作が映画デビュー作ということである。演技自体は目を見張るようなものは無いが、夫々に個性をはっきりと出していたのは良かったと思う。　

こちらは「大巨獣ガッパ」の元ネタとして知られている。

怪獣ゴルゴ -ワイドスクリーン版- [DVD]

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「怪獣ゴルゴ」(1959英）
ジャンル特撮・ジャンルSF・ジャンルアクション
（あらすじ）
　アイルランドの沖合いで海底火山が爆発する。付近を航行中だった海難救助船の船長ジョーは、船の修理のため近くの島に寄港した。ジョーたちを出迎えたのは考古学者を名乗る不審な男だった。その後、港に死体が上がる。彼の顔は恐怖に引きつっていた。ジョーは相棒サムと共に海底を調査するのだが‥。

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（レビュー）
　「原子怪獣現る」(1953米）のユージン・ローリーが監督した怪獣映画。

　「原子怪獣現る」は日本の「ゴジラ」(1954日）の元ネタとして知られる作品だが、こちらは日活が製作した「大巨獣ガッパ」(1967日）の元ネタとして有名な作品である。

　どのあたりが似ているのかというと、怪獣ゴルゴの親子が出てきて人間と戦う‥というシチュエーションが同じである。2作続けてパクられてしまったユージン・ローリーは一体どんな思いだったのだろうか。‥とは言っても世界的に有名な「ゴジラ」はともかく、日活唯一の怪獣映画「大巨獣ガッパ」の存在をどこまで知っていたかは分からないが‥。

　もっとも、この「ゴルゴ」も、前半のストーリーは明らかに怪獣映画の元祖「キングコング」（1933米）をベースに敷いていることは間違いない。
　ジョーたちは海底から現れたゴルゴを捕獲してサーカスに売り飛ばそうとロンドンに連れて帰る。そこでゴルゴが暴れて町が大パニックに陥る‥という筋立ては、そのまま「キングコング」のストーリーである。そこに怪獣親子の”絆”というエッセンスをまぶすことで本作はオリジナルティが確立されているわけだ。

　特撮的な見所としては、海底に不気味に漂うゴルゴの影だろうか‥。何とも生々しい質感にゾッとさせられた。
　また、このゴルゴがトラックに乗せられてロンドンの街中を運ばれていくシーンがあるが、これもインパクトがあった。実物大のスケールモデルが使用されているので中々の迫力が感じられる。

　それと、今作は海外としては珍しい着ぐるみの怪獣である。これに関してはむしろ「ゴジラ」から影響を受けているという見方も出来る。「原子怪獣現る」のようなコマ撮りアニメに比べたら時間も予算も少なくて済むので、大分安く作ることが出来る。

　尚、ゴルゴのデザインは全体的にはオーソドックスな形状で、取り立てて新鮮と言うほどではない。ただ、耳が非常にユニークで、これはおそらく当時のモンスター映画に登場する半魚人から影響を受けたものだろう。水中に生息するので、理にかなったデザインである。