豪華ホテルを舞台にした現代の群像寓話劇。

「グランドフィナーレ」(2015伊仏スイス英）
ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　世界的音楽家のフレッドは現役を引退して、アルプスの山々を見渡すスイスの高級リゾートホテルで隠匿生活を送っていた。そこに英国女王の特使がやって来る。フレッドの代表曲「シンプル・ソング」を式典で演奏して欲しいとのことだった。しかし、フレッドは”ある理由”からこれを頑なに断る。その後、フレッドは娘レナから婚約解消の相談を受ける。婚約相手は同じホテルに宿泊する長年の親友で映画監督ミックの息子だった。フレッドとミックは2人をどうにか元のさやに収めようとするのだが‥。

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（レビュー）
　アルプスの山々を一望できる高級リゾートホテルを舞台にした群像劇。

　登場するのは引退した作曲家フレッドとその娘レナ。シナリオを書くためにやって来たフレッドの親友で映画監督のミック。新作の役作りのためにやって来た映画スター・ジミー。元名サッカー選手。宿泊客に登山を教えている登山家。一言も口を利かない老夫婦。両親を嫌悪する少女。フレッドの専属マッサージ師等、多彩な人物たちである。

　その中で主となるエピソードが、フレッドとミックの友情ドラマ、フレッドと妻と娘レナの家族確執のドラマである。この二つは共に後半でドラマチックな展開を見せる。フレッドは愛する妻との間に残した遺恨を解消し自らの人生に一つのケジメをつける。ミックもフレッドとは違った形で自らの人生にケリをつける。二人の人生の明暗を表したクライマックス以降の展開は実に感動的な盛り上がりを見せている。
　尚、このクライマックスはそのままエンドクレジットに繋がっており、こういう形で終幕する映画というのも斬新である。正に屈指の名エンディングと言えよう。

　この他で印象に残ったのは、映画スター・ジミーのドラマである。彼は新作の役作りのために、このホテルにやって来たのだが、その役とは何なのか？予想を裏切る”役”で卒倒した。
　また、舞台袖として描かれるショート・エピソードとして、一言も口を利かない老夫婦のドラマも中々毒が効いていて面白かった。険悪な関係に見えていて実は裏では情熱的に愛し合っていた‥ということが分かり、思わず苦笑してしまった。

　各エピソードに出てくる登場人物は交錯する者もいるが、基本的には個々の独立したドラマとして見ることも可能である。グランドホテル形式のドラマと言っても複雑に絡み合うことはなく、スッキリとした構成で大変見やすい。整然と展開されるシナリオは中々完成度が高いと思った。

　かくして一連のドラマを見終わってみると、本作の訴えるメッセージも見えてくる。

　本作の原題は「YOUTH」＝「若さ」である。この言葉は劇中で一度だけ登場してくるが、このシーンが全てを物語っているように思った。

　このホテルは、言わば人生の時間を止めてしまった者達が集う”吹き溜まり”のような場所なのだと思う。ホテルの滞在者は夫々に外の世界、現実から背を向け生きる”迷い人たち”である。

　フレッドは妻との確執から音楽家としての道を捨ててしまった者。ミックは新作が思うように撮れず、延々と脚本の結末について思考を巡らす者。ジミーは過去の栄光が重荷になり俳優として進むべき道を見つけられない者。婚約者に振られた傷心のレナは新しい恋を見つけられない者。このホテルに滞在する人々は皆、過去に縛られ未来を見つけられないでいる者達ばかりである。

　そして、ある者は過去に縛られたまま人生を終えてしまい、ある者は過去の咎を清算して未来に向かって歩んでいく。夫々が夫々の結末が迎えるが、そこに人生の数奇を見てしまう。「YOUTH」=「若さ」とは、物理的な年齢を言っているわけではなく、生き方における「若さ」。つまり、過去をやり直す生命の活力を意味しているように思った。

　フレッドは確かに老境に差し掛かった男である。しかし、音楽に対する未練がないわけではない。それは彼が時々お菓子の包み紙でリズムを取るしぐさからも何となく伺える。心のどこかでホールに立ちたいという願いがまだ残っているのだろう。人生の”吹き溜まり”から抜け出して再び音楽の道に生きたい‥という願望みたいなものが感じられた。
　そして、彼のその思いはクライマックスで見事に結実する。そこに彼の「YOUTH」＝「若さ」が伺える。人生の終末に於いて尚、生きる活力を見い出そうとする、その姿には感動を禁じ得なかった。テーマもとくと伝わってきた。

　ちなみに、この「YOUTH」というセリフが一度だけ登場するシーンでは恣意的なモンタージュが駆使されている。鳥籠を通して捉えたフレッドのアップは、彼が置かれている状況を端的に表現していると言える。このショットは、彼がこのホテルという”檻”に籠った老人であることを暗に示している。そしてこの時、彼が見つめる先には、明るい表情で微笑む女性マッサージ師の姿があった。その笑顔はフレッドにどう映ったのだろうか？きっと羨ましく映ったに違いない。そういう意味では、この女性マッサージ師は、このホテルにいながら、唯一「YOUTH」に溢れた女性だったのかもしれない。この陰と陽の対比は見事だった。

　監督・脚本はP・ソレンティーノ。前作「グレート・ビューティー/追憶のローマ」（2013伊仏）で卓越した演出手腕を発揮した彼が、今回も素晴らしい映像マジックで観客を魅了している。

　このホテルでは毎晩のように広場でミニ・コンサートやパフォーマンスが開催されている。中には目を見張るような幻想的なショーも登場し、心奪われてしまった。また、フレッドが見る悪夢は非常に刺激的でゴージャスな特撮が駆使されており、彼の寂寥感や現実に対する恐怖心が見事に表現されていた。
　ミックが見る過去の幻影も然り。様々な映画に対するオマージュを忍ばせつつ、スケール感溢れるシーンに仕上げられている。

　そして、何と言ってもホテルの背景に横たわるアルプスの雄大な風景は、本作に堂々たる風格を与えている。ロケーションの勝利だろう。

　各登場人物を一つの音楽でドラマチックに紡ぐシーケンスも手練れている。このあたりは、同じ群像劇ということでP・T・アンダーソン監督が撮った「マグノリア」（1999米）や「ブギーナイツ」(1997米）を連想させられた。

　一方で、前作同様、若干CGの処理が甘い箇所があったのは残念である。具体的にはレナと登山家が結ばれるラストカットなのだが、バックにかかるフレッドのドラマチックな演奏もこれでは少し興が削がれてしまう。

　先述したように、整然と構成されたシナリオも大変手練れている。幾つか心に残るようなセリフが見つかったのも収穫である。

　例えば、ミックは若い弟子たちに望遠鏡を使って次のような人生訓を語る。
「若い頃は未来のことが近くに見えるが、年を取ると過去のものが遠く感じる。」
　これには、なるほどと思えた。

　また、ミックのお抱え女優ブレンダのセリフも印象に残った。彼女は過去の栄光にすがるベテラン女優で、現在は映画出演だけでは食って行けずテレビドラマ・シリーズに出演することになっている。彼女の口から発せられた言葉は、現在のハリウッド業界を暗に皮肉っているようで興味深く聞けた。芸術映画よりもテレビドラマの方がギャラはいいし安定した収入があるというのだ。
　確かに、現在のハリウッドにおけるテレビ産業への注力には目を見張るものがある。そのおかげで随分とクオリティの高いテレビドラマが誕生してきている。しかし、その影には、ハリウッドの才能ある映画人たちが皆そちらへ活動の場を移しているという実情がある。そのせいで映画産業自体の牙城が崩れつつある。
　ブレンダを演じるのが、かつてアメリカを代表する名女優J・フォンダということもあり、彼女のこのセリフには妙な説得力が感じられる。現代のハリウッド映画産業に対する警鐘。それが彼女のセリフから汲み取れた。

オジサン二人の珍道中。

「ロング・トレイル！」(2015米）
ジャンル人間ドラマ・ジャンルコメディ
（あらすじ）
　故郷を離れて長年紀行作家をしていたビルは、数十年ぶりに帰国し妻子と悠々自適な生活を送っていた。しかし、平穏な暮らしにどこか満たされぬ思いが湧きおこり、家の近くを通るアパラチアン・トレイルを踏破したいという欲望に駆られる。初めは反対する妻だったが、ビルの強い思いを知り、一緒に旅をしてくれる仲間がいることを条件にその旅を許す。こうしてやって来たのが、40年来音信不通だったかつての悪友カッツだった。２人はいざ過酷なロングトレイルへと繰り出すのだが…。

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（レビュー）
　2人の中年男が難関とされるアパラチアン・トレイルに挑戦するアドベンチャー・ドラマ。

　主演はR・レッドフォードとニック・ノルティ。本作はこの二人の掛け合いが一番の見所となっている。

　かつては二枚目俳優として活躍していたレッドフォード。男臭い演技でハードなアクション作品で活躍していたノルティ。資質の違いはあれど、共に70～80年代のハリウッド映画を牽引してきた名優たちである。それがここでは冴えないオジサンに扮している。彼らの往年の作品を見て知っている者としては、今回の役所は味わい深く観れた。

　例えばクライマックス。2人が絶体絶命の”ある窮地”に立たされたシーンにはしみじみとさせられた。無数の星空を見上げて、これまでのわだかまりや今までの半生を語り合うのだが、その星の一つ一つが映画界に燦然と輝くスターたちという風に捉えれば、彼らのセリフがただの役柄上の”言葉”ではなく、俳優としての”言葉”にも聞こえてくる。過去を回顧する姿が愛おしく感じられた。

　また、旅の途中で彼らは様々な人々と出会うのだが、その中の1エピソード、恋愛ドラマも夫々の俳優としての資質に照らし合わせながら面白く観ることが出来た。
　レッドフォード演じるビルがモーテルのハイミスと淡い恋愛を繰り広げれば、ノルティ演じるカッツはコインランドリーで出会った巨漢の黒人女性と仲良くなる。ところが、この黒人女性が人妻だったことから、彼らはその旦那に追いかけ回されることになる。この恋愛にまつわるキャラクターの対比などは、文芸ロマンや慎ましいロマンス映画で演じてきたレッドフォードの役者としてのイメージと、女にだらしないタフガイを演じてきたノルティの俳優的資質をそのまま投影していると言える。

　本作には原作（未読）があるが、脚色の段階でどこまでアレンジされているのだろうか？しかし、主演2人の資質をここまで忍ばせたストーリーは大変よく出来ている。キャスティングの段階から、ある程度方向性は決まっていたのではないだろうか。そう思えるくらいキャストとストーリーが見事にフィットしている。

　一方、全体的なドラマはシンプルにまとめられている。途中で出会う人々との交流もユーモラスに味付けされており楽しく見ることが出来た。
　ただ、欲を言えば、カッツの背景をもう少しピックアップして欲しかったのと、ラストが今一つ盛り上がりに欠けるのが残念だった。割とアッサリとしているので少し物足りない。

　尚、最も笑ったのは、ビルがスーパーに買い物に行くシーンである。途中で底なし沼にハマり、せっかくコインランドリーで洗ったばかりの服が全身泥まみれになってしまう。かつての二枚目俳優もこうなってしまっては目も当てられない。しかし、そんなドジな所も含めて、この両者には愛おしさをおぼえてしまう。レッドフォード、ノルティ、共に楽しそうに演じているので、決して嫌な感じに写らないのが良い。

　そして、2人とも容姿はオジサンだが、心は”やんちゃ”な少年のそれである。彼らの前向きな姿は、きっと映画を観た人にも勇気を分け与えるに違いない。いつまでたっても彼らのように常に挑戦する気持ちは忘れないでいたい‥。自分自身も、映画を見終わった後にそんな風に思った。

戦争を市井の視点から描いた秀作。

「この世界の片隅に」(2016日）
ジャンルアニメ・ジャンル戦争・ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　昭和19年２月、太平洋戦争の真っ只中。絵を描くことが好きな18歳のすずは、広島市から海軍の街・呉に嫁にやってきた。彼女を待っていたのは、海軍で働く文官・周作だった。彼はすずと以前に会ったことがあり、ずっと彼女のことが忘れられずにいたという。こうしてすずは、新しい生活に戸惑いつつも健気に嫁としての仕事をこなしていくのだが‥。

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（レビュー）
　過酷な戦時下でも笑顔を忘れず逞しく生き抜いた少女の成長を感動的に描いたアニメーション作品。

　「夕凪の街、桜の国」（2007日）の原作で知られるこうの史代の同名コミックを、「マイマイ新子と千年の魔法」(2009日）の片渕須直が監督した作品である。

　すずの淡々とした日常描写を丁寧に紡ぎながら、戦争の悲惨さ、無情さを訴えかけた類まれな傑作になっていると思う。

　何と言っても目を引くのは、温かみに溢れたタッチで描かれた絵である。柔らかな描線と水彩画のような淡い色で構成された映像は暗く陰惨な戦争との対比で一層美しく尊いものに見える。

　例えば、すずが嫁ぐ呉の家は緑に包まれた山腹の田園地帯にあるのだが、本当にこの国で戦争が行われているのか‥と錯覚してしまうほど美しい景色に包まれている。しかし、そこから一望できる呉の港には軍艦がひしめきあっていて、これを見るとやはり戦時下であることをいやが上にも意識させられる。
　この”日常”と”戦争”は、戦況がひっ迫する中盤から徐々にクロスオーバーされていく。そして、後半ではついに、すずの平穏な”日常”は”戦争”に浸食されてしまう。あの美しく尊い平和な日常が、理不尽な戦争によって無残に壊されてしまうのだ。

　戦場の悲劇をひたすらに過剰な涙と怒りで訴える反戦映画がある一方で、こうした形で戦災を”日常”の中に描いた所が本作の白眉だと思う。
　思い出されるのが黒木和雄監督の「TOMORROW 明日」(1988日）という作品である。あれも長崎に原爆が投下された前日を、様々な人々の目線から描いた反戦映画だった。新婚夫婦の祝宴から始まる日常描写の積み重ねは、やがて起こる原爆投下の恐ろしさを虚しく語っていた。そういう意味では、本作も「TOMORROW 明日」もドラマの構造としては同じレトリックの上に成り立っていると言える。

　個人的に最も印象に残ったのは終盤、すずが「普通でいたかった」と独白するところである。
　すずは自他ともに認める、のんびりとした少女で、戦時下の折、どうかすると浮世離れした存在に見える。ただ、過酷な時代からこそ、彼女の朗らかな姿が周囲に安堵と癒し、笑いを与えていたことは間違いない。

　例えば、中盤で登場する遊女のリンなどは、明らかにすずの朴訥とした雰囲気に惹きつけられた一人だろう。おそらくリンは遊郭での仕事に疲れ果てて、そのイヤな現実をすずと出会うことで和らげることが出来たと思う。

　あるいは、義姉の径子もそうである。彼女は結婚に失敗した勝気な出戻りの小姑である。すずは彼女が苦手で、呉の家では肩身の狭い思いをする。しかし、そんな径子ですら、すずと一緒に暮らすうちに次第に心が打ち解けていく。

　すずは綺麗な大輪を咲かす花ではないかもしれない。しかし、どこにでもフワフワと飛んでいくたんぽぽの綿毛のように、彼女の笑顔やのんびりとした雰囲気は周囲に温もりと癒しを与える。すずとは、そんなかけがえのない小さな花だったように思う。

　このように、すずはこの物語における平和な”日常”を象徴した存在と言える。だから、彼女が”普通ではない”戦時下で”普通でありたかった”と嘆くシーンは、自分の心に突き刺さった。あのすずをここまで悲しませ、変えてしまう”戦争”とは一体何なのか‥という憤りにも似た感情が沸き起こり、観てて悲しい気持ちになってしまった。”日常”が”戦争”に呑み込まれてしまった現実を、最も残酷に表したセリフ。それが、この「普通でいたかった」だったのではないだろうか。

　全ての幸福を一瞬で奪ってしまう戦争の残酷さで言えば、径子の娘・晴美の数奇な運命も印象的である。すずを慕う幼い少女の純真無垢な姿は、やはりすずの佇まい同様、非常に”天使”めいている。そんな彼女でさえ戦争に巻き込まれて悲惨な運命を辿るのだから、これも”戦争”の残酷さを象徴していると言えよう。

　一方、本作にはすずを巡って展開される慎ましい恋愛ドラマも用意されている。こちらは夫である周作と彼女の幼馴染である水原を交えたメロドラマとなっている。
　海軍に入隊した水原が休暇を兼ねて数年ぶりにすずの元を訪れるシーンがある。水原はずっと、すずのことが好きだったが告白できずに離れ離れになってしまった。そして、一方のすずもかつて水原に特別な想いを寄せていた。そんな二人の微妙な心の揺れは見ててドキドキとさせられた。2人を前にした夫・周作の複雑な心中も察すると、このメロドラマは実に味わい深く見ることができる。
　と、同時にすずも一人の”女”であった‥ということが分かり、かなり大人向けのドラマとして味付けされている。

　片渕監督の演出は、前作「マイマイ新子～」同様、実に端正にまとめられている。日常描写を丁寧に描くことでキャラクターの”実在感”を観客の深層心理に浸透させた手腕は見事である。

　本作はフルボディのショットが多く、キャラクターの表情をアップで捉えた映像はそれほど多くない。普通であれば感情表現をダイレクトに伝えるべくアップを用いたくなるような場面でも、キャラクターを俯瞰的に捉えることで、画面の中の”生活感”を優先している。そこがキャラクターの”実在感”に繋がっているように思う。

　テレビアニメとして長年愛され続けている「サザエさん」にも同じことが言えると思う。過度な演出を避けて淡々とした日常描写を俯瞰的に捉えた映像は、どこかの家族風景を見ているような、そんな感覚で観れてしまう。

　やたらと煩いわけでもなく、かと言って空疎でもない。観客自身が身近に引き寄せてみたくなるような絶妙な距離感。それがこの映画は観客との間で実に上手く保てているような気がした。

　アニメーションを作画したのはMAPPA。ここは老舗のマッドハウスから独立した制作スタジオである。片淵監督の前作「マイマイ新子～」を製作したのがマッドハウスだったので、その流れから今回はMAPPAになったのだろう。前作同様、非常に丁寧な画作りをしている。

　また、前作の新子もそうだったが、本作のすずにも空想癖がある。すずは絵を描くのが大好きで、そのイマジネーションが時々現実の世界に飛び出してくる。アニメーションでしか表現しえないアーティスティックな感性が画面を様々に彩り、目で見ても十分に楽しめる作品となっている。

　その他に、カリグラフで描かれたようなシュールな演出もあり、これなどはすずの錯乱した心理を表現しているのだろう。こういう実験的な映像演出も面白い試みに思えた。

　尚、片渕監督はああ見えてかなりの航空機マニアでもある。だからか、本作は細かい所までリアリティが追求されている。その最たるが爆撃シーンであろう。素人目ながら、かなりのリアルさが感じられた。
　また、高角砲の着弾の煙が様々に彩色されていたのは、実際に当時の日本軍がそのような弾薬を開発していたからだそうである。自分は後で調べて分かった。
　こだわりということで言えば、エンドクレジットを見ると分かるが、資料協力の数が尋常でないくらい多いことにも驚かされる。これも後で知ったのだが、画面の通行人にまでモデルがいるそうである。そこまでこだわった片淵監督、正に恐るべし‥と言うほかない。”細部に神は宿る”というが、こうしたディティールへの飽くなき追求が作品の完成度を高めている。

　もう一つ、本作を成す重要なピースとして忘れてならないのはキャストである。
　すずを演じたのは女優の、のん。事務所がらみの問題で一時は引退まで危ぶまれていた彼女が、能年玲奈から改名して臨んだ復帰作が今作である。おっとりしたすずにピッタリな声質であることは、彼女をスターダムに押し上げたTVドラマ「あまちゃん」の演技から何となく想像できたが、まさかここまでハマるとは思ってもみなかった。間違いなくすずに生命の息吹を与えたのは彼女の声だろう。ほのぼのとした演技もさることながら、周作に噛みつく演技、終盤で見せる激昂の演技。いずれも見事だった。ただ、欲を言えば序盤の幼少時代の声はもう少し工夫して欲しかったか‥。成長してからの声色とほとんど変わらなかったので不自然に聞こえてしまった。

　本作は製作資金が足りず、2015年3月～5月にかけてクラウドファンディングで不足分を賄ったそうである。前作「マイマイ新子～」にいたく感動した身としては、本作が日の目を浴びたことは素直に嬉しい。多くの支援者のおかげで完成したことを考えると、まさに奇跡のような映画と言えるかもしれない。「アイアン・スカイ」(2012フィンランド独オーストリア）など、すでに海外ではこうした方式で製作された例はあるが、日本では大変珍しいと思う。従来の製作委員会方式の牙城を崩すべく一つのケース・スタディとして、今年公開されて大ヒットを記録した「シン・ゴジラ」(2016日）同様、注目に値する。「シン・ゴジラ」も製作委員会方式ではなく東宝単独での製作だった。

二階堂ふみの瑞々しい美しさが印象に残る甘くて苦い青春映画。

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「ほとりの朔子」(2013日）
ジャンル青春ドラマ・ジャンルロマンス
（あらすじ）
　大学受験に失敗した朔子は叔母・海希江に誘われて、旅行で留守にする伯母・水帆の家で２週間の夏休みを過ごすことになった。海沿いの小さな町での暮らしは、朔子のささくれだった心を癒した。ある日、海希江の学生時代の友人・兎吉から甥の孝史を紹介される。孝史は東日本大震災を経験した不登校の少年だった。朔子は彼と少しずつ交流を重ねて行くのだが…。

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（レビュー）
　進路に挫折した少女の一夏のバカンスを周囲の人間模様を交えて描いた青春ドラマ。

　何か大きな事件が起こるでもなく淡々と日常風景を切り取った作品であるが、微に入り細に入り登場人物たちの心理が巧みな演出で表現されており、色々と想像しながら観て行くと中々の歯ごたえが感じられる。

　監督・脚本は、家族の崩壊と移民問題を見事に共存させた異色のブラックコメディ「歓待」(2010日）で注目された深田晃司。今回はその時とは少し異なったトーンの作品となっている。夏の避暑地を舞台にした少女の恋愛ドラマで、どこかE・ロメールの映画を思わせるような瑞々しさ、甘酸っぱさが感じられた。

　例えば、朔子と孝史が海希江のために珍しい花を探しに行くシーンがある。ここで川辺に佇む真っ赤なワンピースを着た朔子の姿を捉えたショットが登場する。これなどは正に青春ロマンスここに極まれり！と言わんばかりの煌めきに満ちていて、こう書くと語弊があるかもしれないが、コマーシャリズム的なキャッチーさに溢れている。

　深田監督はどちらかと言うとシナリオ重視の映像作家だと思っていた。というのも、唯一「さようなら」(2015日）だけは、彼が所属する劇団青年団の師・平田オリザの戯曲を元にしているが、それ以外は全てオリジナル脚本で撮っているからである。おそらく本人の中ではよほどシナリオに自信があるのだろう。しかし、このショットなどを見ると、案外映像に凝る作家だったのかもしれない‥と考えを改めさせられる。

　本作は朔子のドラマ以外に、様々な周囲の人間ドラマも用意されている。彼らの複雑に絡み合った人間関係も見逃せなかった。特に印象に残ったのが2点ある。

　一つ目は、海希江と中盤から登場する彼女の恋人・西田の愛憎ドラマである。西田は美術界隈では高名な研究者で近くの大学に臨時講師として招かれて、そのついでに海希江の所へやって来る。表向きはいかにも清廉潔白な好青年に見えるが、実はかなりのエゴイストでもある。ある日、彼は生徒の一人とホテルに入ってしまう。その相手とは、よりにもよって海希江の友人・兎吉の実娘・辰子である。

　この辰子という女性もかなり複雑なバックグラウンドを持っていて、彼女はヤクザな商売をしている父・兎吉のことを心の底では蔑み憎んでいる。傍から見れば至って普通の仲の良い父娘に見える。そして、兎吉自身も、よもや娘が自分のことをそんな風に憎んでいるとは思ってもいない。

　そんなワケありな彼らが辰子の誕生日パーティーで一堂に揃うことになる。このシーンにおける生々しい会話劇は目が離せなかった。というのも、もし浮気がバレたら修羅場は必至だからである。どうにか西田は取り繕おうとするが、辰子は何をしでかすか分からない女である。一体どうなる？という好奇心から、このシーンは非常にスリリングに見れた。

　と同時に、この場には当然朔子も合席しているわけで、彼女の目からこの大人達のやり取りは一体どのように映っているのだろう？さぞかし滑稽に醜悪に写ったのではないか？そんなことも考えてしまった。

　二つ目は、孝史の数奇な運命を巡るドラマである。彼は東日本大震災の被災者で、福島から一人で避難してきた少年である。親戚である兎吉の元で暮らしているのだが、先述したようにこの兎吉はヤクザな男でラブホテルの支配人をしている。孝史は不登校で昼間からそこでアルバイトをさせられている。非常に朴訥とした少年なのだが、周囲の環境が余りにも悪すぎる。

　そんな彼が、ある日同じ学校の女子からデートに誘われる。しかし彼は心の中では朔子のことが好きなので、その返答に躊躇してしまう。そして、孝史の思いを知ってか知らずか、朔子は気を使って彼にデートに行くよう勧める。ところが、このデートがとんでもない結末を迎えてしまう。
　ここも印象に残った。東日本大震災以降、こうした問題が本当にあるのではないか？というモヤモヤした疑問が脳裏をよぎったからである。

　震災後、原発反対運動が様々な形で広がりを見せている。あれだけの放射能汚染があったのだから当然だろう。しかし、純粋な思いで始まった運動も、参加規模や組織体制が大きくなれば、もはや個人の思いだけでは”動かせなくなってしまう”。果たして彼らの運動は誰のためにやっているものなのか？市民を守るという大義の元に誰かを傷つけてないだろうか？そういった疑問が沸き起こった。

　「歓待」で移民流入という社会問題を取り上げた深田監督は、ここでは東日本大震災という大きな問題を取り上げている。こうしたジャーナリスティックな問題提起は、良くも悪くもこの手の作品の場合、テーマを語る上での”不純物”となりがちである。しかし、今回はその問題提起が自然な形でドラマの中に組み込まれていて、すんなりと観ているこちら側に入ってくる。深田監督のこのあたりの手捌きは見事だと思った。

　キャストでは朔子を演じた二階堂ふみの瑞々しい美しさが印象に残った。「地獄でなぜ悪い」(2013日）や「私の男」(2013日）等、これまでエキセントリックな役しか見てこなかったせいもあり、今回のような”低体温”な演技は新鮮に映った。ここまで役柄によって演技の幅をコントロール出来るというのは大したものである。ビジュアルだけでなく実力も備わった本格派女優として今後も成長していってほしい。

近親相姦的な危うい関係が辿る運命とは？終始緊迫感が持続し目が離せない。

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「私の男」(2013日）
ジャンルロマンス
（あらすじ）
　奥尻島を襲った津波で家族を失い10歳で孤児となった少女・花は、遠縁だと言う男・淳悟に引き取られることになった。６年後、2人は雪と流氷に閉ざされた北海道紋別の田舎町でひっそりと暮らしていた。淳悟には交際していた恋人・小町がいたが、淳悟と花は他人が入る込む隙が無いくらい固い絆で結ばれていた。小町は嫉妬を募らせ、ついに別れることを決心する。そんな小町を不憫に思った父・大塩は二人を引き離そうとするのだが‥。

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（レビュー）
　天災で孤児になった少女と彼女を引き取った孤独な男。十数年に渡る二人の愛憎をドラマチックに綴った恋愛ドラマ。桜庭一樹の同名小説を映像化した作品である。

　監督は熊切和嘉。脚本は熊切の盟友・宇治田隆史が務めている。この二人は、以前紹介した「海炭市叙景」(2010日）等、よくコンビで映画を撮っている。尚、今回の物語の舞台も「海炭市叙景」と同じく寒々しい曇天が広がる北海道である。

　流氷がオープニングと中盤で登場してくるのが、これなどはいかにも北海道ならではのロケーションという気がした。特に、中盤のシーンはドラマの転換点として大きな事件が発生するので目が離せなかった。流氷という舞台がサスペンスを大いに盛り上げている。

　物語は、震災による津波で孤児となった少女・花の目線で進む。ここで描かれる惨状を見ると、どうしても東日本大地震を思い起こしてしまうが、本作は1993年に起こった北海道南西沖地震を元にしているそうである。あの時の被害も相当なものだったが、皮肉なことに東日本大震災が起こった今となっては、そちらのインパクトの方が大きすぎて、過去の震災の記憶もかすんでしまう。いずれにせよ、この花の登場シーンは何ともミステリアスに演出されていて印象に残った。

　その後、彼女は避難所で淳悟と出会う。この淳悟という男も実に謎めいた男で、どんな仕事をしているのか？家族はいるのか？どんな生い立ちを辿ってきたのか？そういった背景が一切分からない。

　更に、物語の舞台は数年後に移り、現在の花と淳悟の暮らしぶりを追うようになる。
　ここでの二人の関係も実にミステリアスで興味が尽きなかった。2人は表向きは義理の父娘のように見えるが、家庭の中では何となく”男女”の間柄のようにも見える。近親相姦的な匂いをまとう所に淫靡さが漂い、どこか危うい関係に思えてしまう。
　例えば、お互いの指を舐め合う所を、淳悟の恋人・小町に見つかるシーンがある。しかし、2人とも見つかっても動じるどころか笑みを浮かべる。一体この二人はどういう関係なんだ？小町同様、観る者は誰もがそう思うだろう。非常に禁忌的な関係に思えてくる。

　2人の関係が決定的になるのは、物語も1/3進んだ辺りだろうか‥。言ってしまえば、2人は”ある一線”を踏み出すことで、もはや元に戻れぬ関係になってしまうのだ。
　ここでの毒々しく染め上げた鮮血の色彩演出は映像的に非常にインパクトがあった。2人にとってのロマンチックな”夢想”を意味すると同時に、周囲の人々にとっての”悪夢”を意味している。禁じられた愛を、やや過剰ではあるが非常に映画的な表現方法で描写しており印象に残った。また、この鮮血は彼ら疑似父子の”血縁”も意味しているのだと思う。

　このシーンだけを取り出して見ればかつてのATG映画のようなシュールさ。あるいは故・若松孝二監督が撮り上げた青春ロマン作「ゆけゆけ二度目の処女」（1969日）のカラーパート・シーンを彷彿とさせる。このような猥雑さと芸術性が混在するような映画が、過去にはたくさん作られたが、それはロマンポルノと一般映画を股にかけた映画作家たちによる独自の創作姿勢が生み出した一つの”革命”だったように思う。今の時代、こうしう作風はほぼ無くなってしまったが、それをこのシーンから懐かしく感じ取れた。

　ともかくも、こうして花と淳悟は”ある一線”を越えたことで罪を背負う者となる。周囲の人々を不幸に陥れながら、社会から背を向けて逃避し続ける。もはやここまで来れば二人を待ち受けるのはメロドラマにありがちな悲劇だろう‥と思うのだが、しかしこの映画はそんな予想をあざ笑うかのように意外な形で締め括られる。正直、これには驚かされた。
　観る人によっては納得がいかないという意見があるかもしれない。しかし、自分は次のように解釈した。

　淳悟は花と出会ったことで、温もりに満ちた”家族”を持ちたいと願ったのだと思う。それは”妻”と言い換えても良いかもしれない。このことは彼の不幸な生い立ちから何となく想像できる。劇中では詳しくは描かれてなかったが、彼の家庭環境は非常に荒んだものだった。

　これに対して、花は淳悟に対して初めは”父親”であることを望んだのだと思う。しかし、一緒に暮らすうちに疑似家族的な愛は異性愛へと変わった。それは”夫”であることとは別の意味での異性愛である。

　このように相手に求めるものが違う以上、二人が辿るこのラストは必然だったように思う。そして、この必然の原因は何だったのかと考えると、おそらく花が淳悟にとっての”娘”から”女”になったことによる心境の変化だったのではないか‥と想像できる。逆に言えば、花にとって淳悟は”父親”から”男”になったということなる。

　大塩は花に対して「（お前たちを）神様は許さない！」と言う。
これに対して花が「私が許す！あれ（淳悟）はあたしの全部だ！」と切り返す。
この辺りのやり取りにはゾクゾクするような興奮を覚えたが、彼女はそこまでの覚悟をして淳悟と一生を共にしようと決心した。この時の彼女はまだ子供だった。まだ淳悟の”娘”だったわけである。しかし、時が経てば人は成長する。”娘”だった花は、周囲の男たちに恋をし、自分のキャリアを磨き、大人の”女”へと成長していった。その結果、彼女の心は淳悟から離れて行ってしまった。陳腐な表現になってしまうが、正に”魔性の女”そのものである。

　したがって、このラストは自分にとっては意外な結末ではあったが、非常に納得のいくものでもあった。そして、花の変貌には、変な言い方かもしれないが、彼女の成長と恐ろしさ、したたかさ、気丈さが伺え、何とも言えぬカタルシスも覚えた。

　本作は、男女の愛憎を描く恋愛ドラマであるが、同時に女性の成長と半生を描いた映画としても実によく出来ていると思う。

　熊切監督の作品は割と見ている方だが、今回の演出は淡々としたトーンを基調としながら、先述した鮮血のシーンや中盤の流氷を舞台にしたシーン等、時折猛々しい演出が併用されている。こうした過激な演出も氏の得意とするところであり、今回の作品は上手くそのバランスが取れているように思った。作品のトーンに緩急をつけながら上手く1本の作品として作り上げている。

　そして、今回の作品で特徴的だと思ったのはカットバックの多用である。オープニングを中盤に繋げてみせたり、ふいに1カットだけ時系列を前後させて挿入して見せたりしながら、少しテクニカルな構成になっている。ただ、これについては、個人的には1カットだけ切り替えてみせる演出は余り感心しなかった。いたずらにシーンを分断してしまうだけで効果的とは思えない。

　キャストでは、何と言っても花を演じた二階堂ふみの好演が素晴らしかった。10代らしいあどけなさを残した前半。年頃の女性に成長していく後半。見事な演じ分けで花の成長を体現している。また、中盤の流氷のシーンで見せた激昂の演技も凄味があった。
　淳悟を演じたのは浅野忠信。こちらはいつも通りの演技でこれと言って語るべきものはないが、ただラストで後頭部が剥げていたのは役作りのためにそうしたのか、あるいは自然とそうなったのか気になる所である。某育毛シャンプーのCMに出演していたので知っている人も多いと思うが、彼には元々薄毛という噂があった。それを敢えてここでカミングアウトしたのであれば大したものである。落ちぶれた中年男の”やさぐれ”感がよく出ていた。

厳しさの中に見せるラストの優しさ。これに尽きる。

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「ふがいない僕は空を見た」(2012日）
ジャンル青春ドラマ・ジャンルロマンス・ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　高校生の卓巳は友人に誘われて行った同人誌販売会で、あんずと名乗るアニメ好きの主婦・里美と出会う。彼女に気に入られた卓巳は、度々彼女の誘いでアニメのコスプレをしながら情事を繰り返した。そんなある日、卓巳がクラスメイトの女子に告白される。彼は里美に別れ話を切り出すが、一方の里美にも已むに已まれぬ事情があった。この一件から二人の関係は破綻し、卓巳は不登校になってしまう。コンビニのバイトをしながら認知症の祖母と暮す友人・良太が、そんな卓巳を心配して家に訪ねてくる。

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（レビュー）
　様々な悩みやしがらみを抱えた若者たちの葛藤を凝った構成と端正な演出で綴ったヒューマン・ドラマ。

　「百万円と苦虫女」(2008日）のタナダユキ監督が、山本周五郎賞受賞作の同名原作を映像化した作品である。

　基本的なストーリーは卓巳と里美の不倫ドラマであるが、それ以外にも卓巳の友人・良太のドラマが用意されており、群像劇的な広がりを見せる映画となっている。正直な所、誰に感情移入したらいいのか分からず、終始宙ぶらりんな状態で鑑賞したのだが、ラストになってようやく溜飲が下がった。これは、ある種”生命賛歌”のドラマなのだと思う。

　原作（未読）は短編集という事である。今回の映画はその中の幾つかのエピソードを掛け合わせて作られている。
　まず、この複数のエピソードを1本のドラマにまとめた構成が見事だと思う。

　脚本を担当したのは向井康介。山下敦弘監督とのコンビが多くオフビートな味わいに長けた、主にオリジナル脚本を書くライターである。先頃見た「もらとりあむタマ子」(2013日）などは氏の特徴が良く出ていた傑作だったと思う。クスクス笑いながら最後はジーンとくる好編だった。

　今回は氏にしては珍しく原作モノだが、それでも手堅くまとめられていると思った。個々のエピソードを相関させつつ、時制を前後させながら、ミステリアスに、残酷に、愛に翻弄される人々の可笑しさ、悲しさを見事に浮かび上がらせている。

　本作には全部で3つのエピソードが登場してくる。
　まず、第1部は卓巳の視座で進む恋愛ドラマとなっている。里美というアニメ好きな主婦と出会った彼は、次第に彼女との不倫にのめり込んでいくようになる。そんな時に、同級生の女子に告白されて彼の心は揺れ動く。年頃の少年の葛藤に迫った、いわゆる青春恋愛談として面白く観ることが出来た。

　続く第2部は、第1部を逆の目線、つまり卓巳の相手である里美の目線で綴ったパートとなっている。前パートと違った角度でこの恋愛ドラマを捉えることで、色々と新たな発見ができる。そして、ここでは前パートでは見えなかった、里美が抱える”ある苦悩”が判明する。これは女性にとって最も悲しい苦悩と言えよう‥。卓巳のパートで見た時とは全く違った印象で彼女のことを見ることが出来た。里美という女性の表裏を視点の切り替えで表現した所が実に巧みである。

　ただし、このパートを見て少し安直に思える箇所があったのは残念だったが‥。それは里美の夫と義母に関するキャラクタリゼーションである。”情けない夫”、”意地悪な姑”といった具合にカリカチュアされており、この辺りは少々短絡に写った。本来はシリアスな悲劇なはずなのに、どこかブラック・コメディのように見えてしまうのは、果たして狙ってやったものなのかどうなのか‥。個人的にはもう少し抑制してほしかった。

　そして、最後に登場するのが、卓巳の親友、良太の目線で綴る第3部である。卓巳は、里美と付き合っていることがバレて学校に来れなくなった卓巳を心配するようになる。その一方で、彼自身もプライベートで問題を抱えており、いわゆる苦学生であることが判明する。

　彼が住まう環境の過酷さは想像以上にシビアである。両親に見放され、認知症を患う祖母と貧しい暮らしを送っている。果たして今の時代、ここまで孤立した暮らしが存在するのか‥という疑問が頭をよぎるが、いずれにせよ彼の置かれている状況は悲惨この上ない。
　このエピソードには他に、良太が働くバイト先の同僚で幼馴染の純子という少女が登場してくる。彼女の私生活の荒みっぷりもかなりのものである。更には、虐待を受ける近所の幼い子供たちも然り。こうした”孤児性”の表明が、この第3部のテーマのように感じられた。

　尚、このエピソードに登場するコンビニの店長と先輩社員の造形は中々に味わい深かった。万引きした子供たちに優しさと厳しさ、飴と鞭を与える店長。良太を気に掛ける親切心の裏側に自己欺瞞を隠し持った先輩社員。人間の二面性を掘り下げたこれら人物造形は見事だった。
　メインヒロインである里美の表裏の顔をミステリアスに紐解いた第1部、第2部の構成にしてもそうだが、この映画は人間の二面性といったものを非常に巧みに描けていると思う。

　しかして、映画はラストで、これら3つのエピソードを”ある奇跡”によって一つに結びつることで終わる。卓巳の母親は助産師をしていて、彼はその仕事を手伝いをしている。この設定が上手く効いている。

　子供を生めなかった里美
　「どうして俺を生んだんだ！」と母親に問う良太
　親から虐待を受ける裸足の少女
　自然分娩にこだわったが最終的に病院に担ぎ込まれてしまう母親

こうした登場人物たち苦しみ、悲しみが、ラストの”ある奇跡”で一掃されることで見事なカタルシスを味あわせてくれる。”生命賛歌”というメッセージが感じられ胸が熱くなった。

　タナダ監督の演出は「百万円と苦虫女」同様、端正に整えられていると思った。時々キャラクターの心情をテロップで表現しているが、そこも噛みしめたくなるような味わいがあって良かったと思う。
　ただ、先述したように、里美の夫や義母に関するキャラクタリぜーション、良太が置かれている環境に、全体のリアリティ優先な演出との乖離が見られる。作品自体を破綻させるほどではないが、全体のバランスから言うと少々歪な印象を持ってしまった。