「正欲」(2023日）
ジャンル人間ドラマ・ジャンル社会派
（あらすじ）
　周囲の環境に馴染めない会社員の佐々木は、父親の訃報をきっかけに故郷に戻る決心をする。正義感の強い検事の寺井は、不登校の息子のことが理解できず妻と度々衝突していた。ショッピングモールで働く独身女性の夏月は、結婚が重荷になり鬱屈した感情を抱えている。大学生の八重子は過去のトラウマから男性恐怖症になっていたが、準ミスターに選ばれたダンス部の諸橋のことがなぜか気になっていた。夫々の人生が数奇な運命で交錯していく。

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　いわゆるフェティシズムをテーマにした物語と捉えたが、拡大解釈すれば多様性についての物語、マイノリティの苦しみ、孤独を描いた物語という風に捉えることも可能だと思う。あるいはサブキャラに着目すればまた違ったテーマも見えてきそうである。本作は色々な切り口で語ることができる作品のように思う。

　原作は「桐島、部活やめるってよ」（2012日）の朝井リョウが書いた同名ベストセラー小説（未読）である。それを「あゝ、荒野 前編」（2017日）、「同 後編」（2017日）の岸善幸監督が映画化した作品である。

　「桐島～」もそうだったが、物語は複数の視点で描かれる群像劇スタイルで展開される。
　登場するエピソードは全部で3つあり、一つ目は特異なフェチを自認する男女、佐々木と夏月が運命的な再会を果たすドラマである。二人には過去の思い出がありそれが時を経て蘇るという、ややメロドラマめいたストーリーであるが、実際にはそう楽観的に見れる内容ではない。周囲からの疎外感、孤立感に苦しむ両者に焦点を当てながらシリアスに展開されていく。
　二つ目は正義感の強い検事寺井のエピソードである。不登校の小学生の息子、妻との冷え切った関係を描くホームドラマを、インターネットの弊害やそれに伴う犯罪を絡めながらシビアに描かれている。
　三つ目は、過去のトラウマから男性恐怖症になった女子大生がイケメンのダンサーに惹かれる恋愛談である。

　夫々のエピソードは終盤で数奇な結びつきを見せるが、ここで最も重要となるのはやはり一つ目のエピソードであろう。ここを土台にして他の二つのエピソードが展開されており、終盤で夫々が相関することで社会の価値観、既成概念に対する疑念の目が観客に問題提起という形で示される。
　それはつまり、世間一般の物差しでいう所の”普通”とは何なのか？”普通”と”普通でない”ことの差にどれほどの意味があるのか？といった問題提起である。

　また、本作を観て橋口亮輔監督が撮ったオムニバスコメディ「ゼンタイ」（2013日）という作品を連想した。そこには全身タイツフェチの同好会が登場してくるのだが、周囲の奇異の目をよそに彼らは仲間同士で案外楽しくやっていた。
　本作の佐々木と夏月も同行の士として関係を深めていく。他人に理解を求めるでもなくひっそりと寄り添って生きていくその姿は実に健気で切なく観れた。

　そして、ここが興味深い所なのだが、フェチというとどうしても”性欲”と混同してしまいがちだが、本作の佐々木たちも「ゼンタイ」の人達も性的な欲望を持っているわけではない。彼らは他人とは違う自分の存在意義、アイデンティティを保つために、同じ”癖”を持つ者同士で繋がっているだけなのである。人が生きたいと願う欲望。つまりこれがタイトルにある「正欲」と繋がるのだが、自分はこういう形で嗜好を持つ者もいるのか…と認識を改めさせられた。

　岸監督の演出は抑制を利かせたタッチで上手くまとめられていると思った。特に、佐々木、夏月を演じた磯村勇斗と新垣結衣の繊細な演技が素晴らしく、おそらくこのあたりには監督の演出意図も大いに寄与していたのではないかと推察する。
　その一方で、ベッドの上の夏希が水に侵食されるシーンなど、陶酔的な映像演出も時折見られ、これも中々面白いと思った。
　そして、最も印象に残ったのはラストカットの切れ味の良さである。この突き放すような終わり方は実に潔い。
　佐々木と夏月が直に面と向かって再会するドラマチックなシークエンスにも上手さを感じた。その後二人はホテルに入るのだが、この大胆な省略の仕方には唸らされる。

　一方、残念だったのは三つ目のエピソードである。他の二つのエピソードに比べると描き方が浅薄という感じがしてしまった。ヒロインがダンサーに惹かれる理由が分からず、その顛末についても今一つスッキリとしなかった。他のエピソードに比べると中途半端な扱いだったのが惜しまれる。

「翔んで埼玉～琵琶湖より愛をこめて～」(2023日）
ジャンルコメディ・ジャンルファンタジー
（あらすじ）
　埼玉県民は麻実麗率いる埼玉解放戦線の活躍によって自由と平和を手に入れた。しかし、地域間の対立は未だ冷めやらず、麗は県民の心を一つにするべく越谷に海を作ることを宣言。早速、美しい白砂を求めて和歌山へと旅立った。ところが、途中で船は難破してしまい、九死に一生を得た麗はそこで滋賀解放戦線のリーダー桔梗と出会う。

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（レビュー）
　埼玉県を愛ある（？）ディスりでネタにした伝説のギャグ漫画「翔んで埼玉」の実写映画化第2弾。

　今回は関東地方から飛び出して関西を舞台に捧腹絶倒な笑いの世界が繰り広げられている。バカバカしくも下らないギャグの中に、関西人に対するディスりネタが豊富に仕込まれていて中々楽しめた。

　メインとなるスタッフ、キャストは前作と同じなのでテイストはしっかりと引き継がれている。前作が楽しめた人なら今作も十分に楽しめるのではないだろうか。むしろスケールという意味では前作以上にパワーアップしており、このままシリーズ化を狙っているかのような勢いが感じられた。

　物語は、例によって埼玉在住の一組の家族のドラマを起点としながら、ラジオから流れてくるカオスな世界が軽快なテンポで語られていく。ネタの伏線と回収も見え見えながら無理なく張られているし、終盤の盛り上がりもよく考えられていると思った。

　個人的には、滋賀発祥の”ある看板”の意外な（？）活躍と、前作でも盛り上がった有名人対戦に笑ってしまった。また、埼玉県ネタは今回は舞台が関西ということで少ないのだが、それでもクライマックスにかけて大いに盛り上げてくれる。ここも楽しく観ることができた。

　一方、ここはもう少し毒があった方が良かったのに…と思う個所も幾つかあった。
　例えば、白い粉の扱いなどは明らかに麻薬的な何かのように描かれているが、コンプライアンス的な問題でこの辺りが表現の限界なのだろう。甲子園のネタにしてもそうなのだが、各方面に遠慮しているような向きが感じられた。
　大規模公開のエンタメ作品ということを考えれば、余り過激な表現が出来ないというのも分かるが、どうせ続編を作るのならもっと攻めた姿勢も見せて欲しかった。

　尚、劇中には様々な映画のパロディも登場してくる。中には劇場公開に合わせたかのようなタイムリーなネタも出てきて、このあたりは実に商売上手である。

　キャスト陣は前作同様、夫々に奮闘している。中でも今回のヴィラン役片岡愛之助の嬉々とした怪演が印象の残る。
　逆に、麗役のGACKTと共に前作を大いに盛り上げていた桃美役二階堂ふみは出番が少なくて少し残念である。

「フィアレス」(1993米）
ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　建築者のマックスは、多くの犠牲者を出した飛行機事故から奇跡的に生還した。しかし、事故のショックから立ち直れず、生きた実感を持てない日々を送っていた。その頃、同じ飛行機に同乗していた女性カーラも、我が子を失い生きる希望を失くしていた。そんな二人が引き合うように出会い交流を育んでいく。

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（レビュー）
　映画は飛行機事故の墜落現場から始まる。幼い赤ん坊と小さな少年を連れたマックスがトウモロコシ畑から現れるという、どこか勇壮感を漂わせた光景が印象に残る。非常に幻想的でドラマチックである。
　個人的には「ジャンボ・墜落/ザ・サバイバー」（1981米）も連想させられた。ただ、あの作品とは全く異なる展開で物語は進行する。

　マックスは事故で助かったものの、そのトラウマから普通の生活を送れないようになってしまう。常に生きている実感を持てず、虚ろな目で宙を見つめながら無気力感に見舞われている。一方のカーラも、事故で幼い我が子を失い生きる意欲をなくし、半分死んだような日々を送っている。
　そんな二人が惹かれあいながら夫々に生きる希望を取り戻していく…というのが、このドラマのテーマである。

　監督はピーター・ウィアー。幻想的なタッチを挟みながら、地にしっかりと足を付けた演出が貫かれており、ベテランらしい安定感が感じられた。

　凄惨な事故を題材にしているので前半はやや重苦しい展開が続きしんどいが、マイケルが塞ぎ込んだカーラの心を徐々に介抱していく後半はペーソスを交えながら感動的に盛り上げらていている。

　特に、デパートのシーンは味わい深い。ピアノの伴奏がまた粋な演出で、マックスとカーラの魂の触れ合いに安らぎを覚えた。
　そして、その後に続く展開も印象深い。それまでの落ち着いたトーンを一気に壊すような情熱的な演出に心奪われた。U2の名盤「The Joshua Tree」のオープニング「Where The Streets Have No Name」の効果的な使用も奏功している。

　終盤のサスペンスフルな演出も、序盤の伏線が効いていて一気にエンディングまで気持ちよく乗って行けた。鑑賞の余韻を途切れさせない幕引きも上手い。

　それにしても、本作のマイケルはどこかこの世の者とは思えぬ超然とした佇まいをしている。彼のおかげで救われた乗客もたくさんいて、その奇跡はさじずめ現代に蘇ったキリストの偉業のようでもある。実際に彼は世間の注目を浴び、聖人のように祭り上げられていく。しかし、これがかえって彼の中で生きてる実感の妨げとなってしまう。何とも皮肉的な話である。

　マックスに信仰のシンボルが投影されていると考えると、本作は単なる魂の救済ドラマでは片付けられない深みも感じられる。奇跡を求めたがる大衆と、現実とのギャップに戸惑うマイケルの苦悩。それを、ある種皮肉的に描いて見せた現代の寓話という見方もでき、この辺りにはクリント・イーストウッド監督の「ハドソン川の奇跡」(2016米）やデンゼル・ワシントンが主演した「フライト」(2012米）との共通性も感じられた。

　キャストでは、マイケルを演じたジェフ・ブリッジスの抑制された演技が素晴らしかった。
　また、カーラを演じたロージー・ペレスは車中の慟哭の熱演に見応えを感じた。自分だけが助かってしまったことに対する悲しみがひしひしと伝わってくる名シーンである。

「妖精たちの森」(1971英）
ジャンルサスペンス
（あらすじ）
　事故で両親を亡くした幼い姉弟フローラとマイルズは、田舎の大きな屋敷で家政婦と家庭教師ジェスル、下男のクイントと暮らしていた。二人は無学で野卑なクイントを慕っていた。そんなある日、マイルズはクイントとジェスルの愛し合う姿を覗き見してしまう。

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（レビュー）
　幼い姉弟が禁忌な思考に取りつかれていく様を美しい田園風景の中に描いた作品。

　製作された時代を考えればかなりショッキングな内容であることは間違いない。ただし、脚本自体はヴァイブレーションに乏しくもう少し捻りが欲しいと思った。

　とはいえ、全体を貫く怪しい雰囲気は悪くはない。また、クイントを演じたマーロン・ブランドの一癖ある演技も絶品で、全体的には面白く観ることができた。

　尚、本作はホラー映画の古典「回転」（1961英）の前日弾ということである。「回転」には原作小説があり、今回はそれをベースに敷いた物語となっている。自分は「回転」を観たことがないが、予備知識が無くても十分に楽しめた。

　最も印象に残ったのは、クイントとジェスルが縄を使ったSMプレイに興じるシーンである。マイルズはそれを覗き見してフローラと真似をするのだが、性の知識が何もない姉弟が興じるという所に何とも言えない”危うさ”を覚えた。彼らはクイントの影響を受けながら徐々に残酷性、加虐性を芽生えさせていくようになる。ラストはかなり衝撃的な終わり方になっていて、中々ヘビーな鑑賞感を残す結末である。

　また、姉弟が「死んだら愛し合えるの？」という問いに対して、クイントが「愛すれば殺したくなる」と答えるシーンも印象に残った。ポルノとバイオレンスを見世物にしているように見せかけて、こうした深い言葉をさりげなく挟み込むあたりは中々侮れない。

　監督はマイケル・ウィナー。少し安穏としたところはあるが、職人監督らしく安定した演出を見せている。特に、覗き見のシーンにおける緊張感と淫靡さはただ事ではなく、今作で最も力を入れて演出しているように見えた。

　また、美しい湖畔や田園風景、林が立ち並ぶ森の景観等、映像も非常に美しい。逆に、それとの対比で姉弟の残酷さもよりグロテスクなものとして際立つに至っていると感じた。

　キャストでは、先述したようにマーロン・ブランドの粗野な造形が魅力的である。SMプレイのシーンは少し笑ってしまいたくなる個所もあるのだが、持ち前のマチズモを前面に出し”らしさ”を見せつけている。

「トゥインクル・トゥインクル・キラーカーン」(1980米）
ジャンル戦争・ジャンルコメディ
（あらすじ）
　ベトナム戦争の真っただ中。古びた古城に精神科医のケーン大佐がやって来る。そこは兵役を逃れるための詐病を鑑定する軍の施設で、様々な患者が収監されていた。ケーン大佐はそこでロケットの発射直前に発狂したアポロの宇宙飛行士カットショーを始め、様々な患者達と奇妙な交流を始めていく。

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（レビュー）
　霧に包まれた古城を舞台に繰り広げられるシュールでブラックな寓話。

　「エクソシスト」（1973米）の原作者として知られるウィリアム・ピーター・ブラッティが自らの原作を製作、監督、脚本を兼ねて撮り上げた作品。一部でカルト視されているだけあって、何ともシュールでナンセンスな怪作である。

　例えば、巨大な月が地上に迫り来るカットショーのシュールな悪夢を筆頭に、自分をシェイクスピアやスーパーマンだと思い込む者、ナチスの軍服を着てハイテンションな挙動をする者、突然奇声を発する者等。そうした患者たちとケーン大佐の間で行われ意味不明なやり取りを中心に物語は展開されていく。

　一方のケーン大佐もどこか精神的に壊れた人間である。患者たちの奇行やぶしつけな態度を受け流しながら、何を考えているのかサッパリ分からないという有様なのだ。

　何を言われても無表情のケーン大佐。奇行に走る患者たち。両者のかみ合わない会話を延々と見せられるので、感情移入しようにも出来ず、結局最後まで翻弄されっぱなしだった。

　また、ドラマらしいドラマも余りなく、中盤まではストーリー的な動きも乏しい。シュールなコント集として観ればそれなりに楽しめるのだろうが、自分にはその笑いも今一つ感性にヒットしなかった。

　尚、本作を観て思い出されたのが「まぼろしの市街戦」（1967仏英）である。この作品は、精神病患者だけが取り残された村を舞台にしたシュールな反戦映画で、これまたカルト的な人気を誇る怪作である。

　確かに本作も一応、反戦メッセージは通底しており、そういう意味では共通する要素は見て取れる。戦場によるショックで精神を病んだカットショー達を見ているとどこか憐れさを覚えた。

　ただ、本作はベトナム戦争という背景はそれほど大きな意味を持っておらず、代わりに人間の孤独や尊厳、神の存在といった哲学的なテーマを前面に出した作りになっている。反戦ド直球だった「まぼろしの市街戦」より捻った構成で、より多義的なメッセージを孕んだ問題作に思えた。

　映画はクライマックスに差し掛かるあたりから、ケーン大佐とカットショーの友情に焦点が当てられていくようになる。そして、かなり唐突ではあるが、ラストは意外にも抒情的に締め括られている。二人の関係を”逆転”させた所に面白さを感じた。

　尚、邦題ではキラー・カーンとなっているが正しくはキラー・ケーンであろう。キラー・カーンだと当時活躍していたプロレスラーの名前になってしまう。

「ハロルドとモード/少年は虹を渡る」(1971米）
ジャンルロマンス・ジャンルコメディ
（あらすじ）
　19歳のハロルドは異常に死に取りつかれた自殺願望の強い青年だった。自殺の真似をして母親をいつも心配させていた。そんなある日、他人の葬式に出席した彼は、そこでモードという初老の女性に出会う。彼女もまた他人の葬式に立ち会うのが趣味という変わり者で、意気投合した二人は交流を重ねていく。

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（レビュー）
　死に取りつかれた青年と奔放な老婆の交流をブラックなユーモアを交えながら綴った作品。

　ハロルドは度々自殺の真似をして母親を驚かせるのだが、これがシュールで刺激的で毎回驚かされてしまう。首を吊ったり、喉を裂いたり、拳銃で頭を撃ったり、火だるまになったり等々。客観的に見ればどれも本当に死んでいるように見えるのだが、次のシーンになると彼は何事もなかったかのように復活しているのだ。このシュールでブラックなトーンが本作に奇妙な味わいをもたらしている。
　尚、切腹するシーンもあるのだが、ハロルドが叫ぶ「ハラキリ！スキヤキ！」に笑ってしまった。

　映画は、そんなハロルドと、たまたま同じ葬式に参列していた初老の女性モードの交流で展開されていく。

　モードはハロルドと正反対にバイタリティに溢れた女性である。その一挙手一投足は破天荒で、他人の車を盗んだり、ヌードモデルになったり、とにかくぶっ飛んでいる。ハロルドはそんな彼女に自分にはない物を感じ、惹かれていくようになる。

　ハロルドは経済的には満たされているが、すべてにおいて母親の言いなりになって生きてきた青年である。そんな窮屈な人生から抜け出したいと願うのだが、一方で今の裕福な暮らしにしがみつきたいという未練も捨てきれないでいる。外の世界に出ていく勇気がないのだ。
　そんな時に出会ったのが破天荒に生きるモードだった。ハロルドは彼女から、本当に生きるということの意味、人生の楽しみを教わりながら母親のしがらみから解放されて自律していく。

　印象に残ったシーンは幾つかあるが、例えば車を盗んで警官の追跡を振り切るシーンなどは、さながらボニー＆クライドのようで痛快であった。また、花を愛で、風の匂いを感じ、太陽の光を浴びるデートシーンも大変美しく撮られていて心に残る。墓地のシーンの壮大さや、二人並んで夕焼けを見るシーンの美しさも格別だった。

　かくして二人の交流はユーモアとペーソス、更にはクスリとさせるようなロマコメ・テイストで描かれていくが、結末は意外にもビターに締めくくられる。賛否あるかもしれないが、自分はこの結末で良かったと思う。

　思えば、ハロルドとモードの間には生と死、若さと老い、モラルとアンモラルといったパラドクスの構造が常に忍ばされていた。これだけ正反対な男女が容易に結ばれてしまっては、それこそご都合主義という感じがしてしまう。ちょっぴりほろ苦いエンディングかもしれないが、ドラマ的なリアリティを考えれば、このあたりに着地するのは納得である。

　監督は「さらば冬のカモメ」（1973米）や「チャンス」（1979米）等のハル・アシュビー。
　彼は元々「シンシナティ・キッド」（1965米）、「夜の大走査線」（1967米）、「華麗なる賭け」（1968米）といった傑作で編集を務めた映像職人である。本作でも要所の映像センスに唸らされるものがあった。
　一方で、ラディカルさを伴うオフビートなテイストが独特の作風を形成しており、中々一筋縄ではいかない作品でもある。ドラマ自体は哀愁漂うメロドラマで大変親しみやすく作られているが、こうした癖の強い作りが観る人を選ぶかもしれない。

　いずれにしても、この特異な作風、普遍的なドラマ等、彼のフィルモグラフィーの中では「さらば冬のカモメ」と並び、アメリカン・ニューシネマを代表する珠玉の1本になっていると思う。

「ジョー」(1970米）
ジャンル人間ドラマ・ジャンルサスペンス
（あらすじ）
　コンプトンは娘が薬物中毒で倒れたという知らせを受けて病院に駆け付ける。命に別状はなかったが、娘をたぶらかしたヒッピー青年の部屋を訪れて怒りに任せて彼を殺害してしまった。その足でバーへ行くとジョーという酔っぱらいに気に入られ、奇妙な交流を育んでいくようになる。

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（レビュー）
　ヒッピームーブメント真っ盛りだった頃の独特な空気感、世相が色濃く出た作品で、アメリカン・ニューシネマの興隆の中で製作された1本と言って良いだろう。しかし、若者世代による権力、大人に対する反抗をテーマにした作品群と一線を画した、大変珍しい作品でもある。旧世代が若者世代に復讐を果たすという、逆転の発想が斬新だ。

　物語は娘と付き合っていた麻薬密売人を殺めてしまった父親コンプトンが、ジョーという危険な香りを漂わせた男に出会い、徐々に彼に振り回されていく…という展開で進む。本質的にはシリアスな犯罪モノなのだが、ブラックユーモアなテイストがそこかしこに配されており、中々一筋縄ではいかない作品になっている。

　その最大の要因は、謎めいたジョーのキャラクターにあろう。
　大会社に務めるインテリなコンプトンと、工場勤務のブルーカラーのジョー。立場も性格も真逆であるが、何故か彼はコンプトンを気に入り近づいてくる。そして、今回の殺人事件をきっかけに二人は徐々に関係性を深めていくようになる。

　最も印象に残ったのは、コンプトン夫妻がジョーの家に夕食に招かれるシーンだった。ぎこちない会話、気まずい空気が流れる中、両夫婦の微妙な距離感が中々スリリング且つユーモラスに描かれている。

　監督、撮影は後に「ロッキー」シリーズや「ベスト・キッド」シリーズをヒットさせるジョン・G・ヴァルドセン、脚本は後に「セルピコ」（1973米）や「マンディンゴ」(1975米）といった話題作を手掛けるノーマン・ウェクスラーという布陣である。両者はこれまで大きなヒット作に恵まれずにいたが、本作をきっかけに注目されることになった。

　きめ細やかな演出が貫通され全体的には見事な仕上がりを見せていると思った。強いて言えば、中盤が平板な展開で退屈したか…。ただ、クライマックスは一転、強烈なバイオレンス・シーンで作品の印象度をグンと引き上げている。

　キャスト陣では、ジョーを演じたピーター・ボイルの不気味な造形が印象に残った。コメディからハードなシリアス物まで、何でも器用にこなす名バイプレイヤーであるが、その変幻自在振りが今回の難役に上手くハマっていた。表向きは気の良い男に見えて、実は過激なサイコパスという二つの顔を絶妙に演じ分けている。
　また、スーザン・サランドンがコンプトンの娘役で映画デビューを果たしている。

「月」(2023日）
ジャンル人間ドラマ・ジャンル社会派
（あらすじ）
　人気小説家の洋子は、売れないアニメーション作家昌平と平和に暮らしていた。しかし、過去に3歳になる我が子を死なせてしまったトラウマから小説を書けないでいた。そんなある日、洋子は森の奥にある障碍者施設で働き始める。そこでは意思疎通ができない障碍者に対する虐待が日常的に行われていた。

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（レビュー）
　障がい者に対する暴行を題材にした社会派ドラマ。同名小説の映画化である。

　原作は未読であるが、映画化するにあたりかなり脚色されているそうである。後で調べて分かったが、原作の主人公は本作にも登場する障がい者の”きーちゃん”ということである。映画は視点を変えて洋子というオリジナルのキャラクターを主人公にしている。ストーリーを語らせるにあたって、言葉を話せない”きーちゃん”では限界があるということで改変したのだろう。

　洋子は、生まれつき障害を持った我が子を失ったトラウマから小説を書くことが出来なくなった主婦である。これを宮沢りえが熱演している。彼女の葛藤は画面からひしひしと伝わってきて、まずはこの存在感が素晴らしかった。これは本作オリジナルの美点だろう。

　同じ施設で働く小説家志望の陽子や画家を夢見る”さとくん”との関係、常に優しく包み込んでくれるがどこか頼りない夫昌平との関係。こうした周囲との微妙な距離感を言葉を使わず繊細に表現しきった所は見事である。
　また、それとは対照的に後半の”さとくん”との対峙では切実なる感情を爆発させ、この熱演にも見応えを感じた。本作は正に彼女のためにあるような作品となっている。

　テーマも実に興味深く読み解くことができた。
　実際に障がい者施設で起こった事件を題材にしているということで身構えてのぞんだが、確かにセンセーショナルな意欲作になっていると思う。ただ、それ以上に、ドラマの根本ではもっと普遍的な問題を問うているような気がした。
　建前を重んじて事実を隠そうとする社会。真実を知りつつも見てみぬふりをする世間の風潮。そういったものに対する問題提起が感じられる。

　例えば、酒に酔った陽子は、自分の才能の無さを棚に上げて、洋子が書いた東日本大震災を題材にした小説を「真実が描かれてない、綺麗ごとだけだ」と嫉妬混じりに糾弾していた。
　陽子の両親は不倫を知っているが何事もないように円満な家庭を取り繕っていた。
　昌平は洋子に気を使って我が子の死に一切触れず、そのせいでどこかギクシャクした関係になってしまっていた。
　施設の所長は職員による暴行を知りつつも見てみぬふりをしていた。

　そして、洋子自身も小説家として、母親として自分自身に嘘をついていた。更に、施設の問題を行政に告発出来ず、小説という形で表現しようとした。実際に行政がこの問題にどこまで対処できたかは疑問であるが、少なくとも彼女はそうするべきだったように思う。ところが、小説家としてのエゴが勝り、”綺麗ごとだけではない”作品を書くことで彼女は自分を優先させてしまったのである。結果、事件を止めることが出来なかった。

　このように、ここに登場する人々は目の前の現実を見ようとせず、あるいは知っていてもその現実から逃げているだけなのである。

　結局、この物語で最後まで現実に目を向け、自分自身に嘘をつかなかったのは”さとくん”だけだった…というのが実に皮肉的である。
　もちろん彼の思考や行動には決して賛同することはできない。しかし、彼の言い分には、否定しがたい真理もあるように思う。

　生産性のない障がい者は不要だ。意思疎通ができない者に生きる意味があるのか。障がい者施設で働く者は日々の激務から自らも精神を病んでこうした思考に陥ってしまうのは何となく理解できる。

　そして、このような排除思考は、我々が暮らす一般社会でも、すでにまかり通っているのではないだろうか。自助努力が出来ない人間は切り捨てても良いといった社会の風潮、合理性を重んじて負け組が容赦なく見殺しにされてしまう競争社会。そうした思考が普通に蔓延しているような気がする。

　劇中で洋子は”さとくん”のこの排除思考に論理的に反論することが出来なかった。それは彼女自身にもそうした思いが心のどこかにあったからであろう（実際に彼女は出産に迷っていた）。
　もし自分があの場面の洋子の立場だったら”さとくん”をどう説得できただろう…と考えてしまった。彼の誤った思考を改心させるだけの言葉を自分も持ち合わせていない。

　監督、脚本は「映画 夜空はいつでも最高密度の青色だ」（2017日）、「ぼくたちの家族」（2013日）、「舟を編む」（2013日）等の石井裕也。
　施設のロケーションやデザインにホラー映画のような不穏さが漂い、少し作り過ぎという気がしてしまった。おそらく日常の中の非日常性を演出したかったのだろうが、ここまでくるとリアリティがかえって薄まり違和感を覚えてしまう。
　また、突然ズーミングするカメラワークや斜め構図のアングル、スプリットスクリーンで分割される画面が、鑑賞のノイズになってしまった。
　重苦しいテーマだけに、全体的にもっとシックな演出に徹した方が良かったのではないだろうか。奇をてらい過ぎという印象を持ってしまった。

「ゴジラ-1.0」(2023日）
ジャンルアクション・ジャンル人間ドラマ・ジャンルSF
（あらすじ）
　元特攻兵の敷島は、戦友をゴジラに殺されたトラウマを抱えながら荒れ果てた戦後の東京に戻ってきた。ある日、幼子を抱えた典子と出会い一緒に暮らすことになる。東京湾の機雷除去の仕事に就き、徐々に元の日常を取り戻していく敷島。しかし、そんな彼の前に再びゴジラが現れる。

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（レビュー）
　「ゴジラ」誕生70周年を記念して製作されたシリーズ第30作目。

　「シン・ゴジラ」（2016日）とはまた違った意味で、ゴジラシリーズを新しいレベルに引き上げた作品ではないだろうか。

　いわゆる着ぐるみゴジラからの脱却を狙った「シン・ゴジラ」は、それだけで新機軸だったわけだが、それでも庵野秀明と樋口真嗣の”特撮愛”は画面の端々に感じられる作品だった。それに比べると本作は温もりのある昔ながらの特撮という印象はほとんど感じさせない。完全にCG全盛のハリウッド版ゴジラを意識したかのような作りになっている。

　ＶＦＸを手掛けるのは、本作で監督、脚本を務めた山崎貴が率いる白組。現在の邦画界ではトップレベルのVFXプロダクションであり、ゴジラの凶暴な造形、銀座の急襲シーンやクライマックスの討伐作戦の迫力は素晴らしい出来栄えである。また、冒頭の大戸島に現れたゴジラはまだ核実験の影響を受ける前の姿であり「ジュラシック・パーク」のような恐竜のような外見で新鮮だった。

　時代設定を戦後直後にしたのも中々に上手いやり方だと思った。
　「シン・ゴジラ」は東日本大震災を意識しながら国防という観点から”対ゴジラ”を描いた所が画期的な作品だった。もし現代にゴジラが現れたら？という空想科学的な面白さを詰め込み、これを超えられる現代を舞台にしたゴジラ映画は中々作りづらい状況になってしまった。であるならば、初代ゴジラよりも前の時代設定にすることでシリーズの新機軸を打ち出すというのは面白いアイディアである。

　その結果、家族を失い、戦場のトラウマを引きづる市井の人々を主役にした大変暗く重苦しいドラマとなった。戦争の傷が癒えない日本に核実験の犠牲となった、ある意味で戦争の”影”を象徴したゴジラが襲い掛かる…というドラマは反戦メッセージを強く打ち出しており、ゴジラ第1作へのリスペクトも感じられる。

　ただ、そうは言っても、戦後間もない頃の日本は武装解除をさせられているので武器をほとんど持っていない。どうやってゴジラの脅威に対抗するのかという所が問題になってくるのだが、そこを本作は武器ではなく人間の知恵と勇気で乗り切るという所で勝負している。ゴジラ第1作では”オキシジェンデストロイヤー”という兵器が登場してゴジラを葬り去ったが、本作ではそのような超兵器は出てこない。第1作をリスペクトしつつも、それとはまったく異なる方法で”対ゴジラ”を描いており、クライマックスを上手く盛り上げていると思った。

　その一方で、本作は敷島と典子のささやかなロマンス、戦災孤児・明子を含めた疑似家族愛といった人間ドラマも描いている。戦後の貧しい日本に生きる人々の悲しみと苦しみ、助け合う姿がウェット感タップリに表現されている。
　ただ、正直な所、こちらは人物描写にもう少し深みが欲しいと思った。余りにもご都合主義的で小奇麗にまとめ過ぎという気がしてしまった。

　これは演じるキャストにも問題があると思う。
　敷島を演じる神木隆之介は戦場のＰＴＳＤに苦しんでいる割に全くやつれてないし、貧しさに喘ぐ戦後間もない頃に無精ひげすら生えてないという不自然さで、これではキャラクターとしてのリアリティがまったく感じられない。

　それと、これは脚本の問題なのだが、ここでそのセリフは無い方が良いのに…と思う個所が幾つもあった。苦しい、悲しいと口に出して吐露するのは、観客にとっては確かに分かりやすいのかもしれないが、すべからく説明されてしまうと、かえって興を削がれてしまうものである。

　クライマックスの展開も意外性が全く感じられない。これも前段で説明しすぎた結果であろう。

　ラストのサプライズは賛否分かれそうな気がする。個人的には否定派なのだが、しかしこれに関しては別の見方をすれば大変不気味な終わり方という捉え方もできる。「シン・ゴジラ」のラストのように考察しがいがあるオチで、一概に全否定とは言い切れない面白さも感じた。

　尚、出演者の中にはカメオ出演を含め意外な人が出ていて驚かされた。画面では確認できなかったが、「鉄コン筋クリート」（2006日）を監督したマイケル・アリアスも出ていたそうである。彼はモンタージュ監修としてもクレジットされていた。

「アンダードッグ」(2020日）
ジャンルスポーツ・ジャンル人間ドラマ
（あらすじ）
　かつて日本タイトルにあと一歩まで迫りながらも、今は“かませ犬”としてリングに上がり続ける末永は自堕落な生活を送っていた。一方、養護施設出身の若き天才ボクサー大村は順風満帆な日々を送っていた。彼は落ちぶれた末永に辛らつな言葉を投げかけながら、何故か放っておけなかった。その頃、売れない芸人宮木はテレビ番組の企画でボクシングに挑むことになる。その対戦相手に末永が選ばれるのだが…。

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（レビュー）
　かませ犬としてリングに上がり続ける落ち目のボクサー、前途洋々な若き天才ボクサー、番組のためにボクシングを始める売れない芸人。夫々のボクシングにかける思いをエネルギッシュに描いた作品。

　尚、本作はABEMAプレミアムで全8話で配信された作品を元にした劇場版である。前後編の2部作で公開され、計4時間半越えの大作である。配信版は未見だが、今回は劇場版の方を鑑賞した。

　監督、脚本は「百円の恋」（2014日）の武正晴と足立紳のコンビ。奇しくも今回もボクシングを題材にした作品であるが、女性ボクサーが主人公だった前作と違って、今回は3人の男性を主人公とした群像劇になっている。

　かつての栄光にしがみつく落ち目のボクサー末永。才能に恵まれた若き天才ボクサー大村。大物俳優を父に持ち売れない芸人をしている宮木。夫々がリングで戦う意味を見出していくまでのドラマをハードに活写している。

　前編は主に末永と宮木の戦い、後編は末永と大村の戦いとなっている。
　ファイトシーンが劇画タッチに拠りすぎて「百円の恋」と比べて若干リアリティに欠ける気がしたが、前作とはまた違った見応えを感じた。特に、後編の末永と大村の戦いは白眉の出来栄えで、観てて自然と手に汗握ってしまった。

　末永、大村、宮木、夫々のドラマも見応え十分である。

　まず、末永は妻に見捨てられた甲斐性無しで、かつての栄光はどこへやら。今ではデリヘル嬢の送迎をしながら日銭を稼ぐ落伍者に落ちぶれている。唯一の楽しみは別れた幼い息子との面会だけ。そんな息子の前で恥をかけないと、再びリングに上がる決心をするのだが…。
　やがて、宮木とのエキシビジョンマッチが組まれるのだが、これはテレビ番組の企画ありきで始まったもので、末永は当然負け役を演じさせられることになる。しかし、このまま負け続けの人生で良いのか？という思いが末永の中でふつふつと芽生えていく。

　一方、対戦相手の宮木にもドラマは用意されている。親の七光りで入った芸能界だが、そのプレッシャーに押しつぶされて目が出ず、引退をかけて今回のボクシング企画に挑戦する。周囲からは軽く見られがちな彼にとって、この戦いだけは本気の勝負という思いを強くし、いざリングに上がるのだが…。こちらも後がない崖っぷちの人生で見応えを感じた。

　そして、才能あふれた大村は、身重の新妻に支えられながら順風満帆なボクサー人生を歩んでいる。ところが、そんな彼も思わぬアクシデントに見舞われ、チャンピオンになる夢を閉ざされてしまう。再起をかけて末永との戦いに挑むのだが…というのが後編のクライマックスとなる。

　4時間半という長さもあり三者のバックストーリーは濃密に筆致されており、大変面白く観ることができた。
　また、メインの3人以外のキャラクターがユーモラスに描写されているおかげで、陰鬱になりがちなドラマも嫌味なく観れる。
　末永とデリヘル嬢・明美とのやり取りも淫靡になりすぎずクールに抑制されており、この辺りも中々スマートに処理されていると感心した。

　そして、ドラマに息吹を吹き込んだキャスト陣の熱演も見逃せない。
　何と言っても、末永を演じた森山未來の体を張った役作りが凄まじい。この荒んだ佇まいは「苦役列車」（2012日）の主人公と被る部分もあるが、こちらは肉体的なストイックさが求められる分、ただ単に落伍者というだけでは務まらない役所である。内に秘めたる芯の強さが静かに体現されており感心した。
　大村を演じた北村匠海、宮木を演じた勝地涼も夫々に森山に劣らぬ熱演を見せている。

　本作で一つだけ気にいらなかったのは、宮木が出演するバラエティ番組に関する描写であろうか…。これが少し冗長に感じた。もしかしたら配信元との絡みから忖度したのではないか…と勝手に穿ってしまったのだが、果たして…。